Exposición “Cartas y Pizarras”, Galería Astarté, 2011 – Madrid

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Manuel Valencia. Letters and Slates 

C/ Monte Esquinza, 8.  Desde el 27 de octubre de 2011

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Art is perfect when it resembles nature
And nature, in turn, when art is disguised silently

Pseudo-Longino, De sublimitate

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Patience: losing time in small apparently insignificant things, taking time to stare calmly without any rush.  These are clues for facing the frantic pace in which we seem to live today, and are reveling tips to understand  the work  of Manuel Valencia (Madrid 1954),  where technique and concept  fuse and  establish a permanent dialogue between art and nature.

On this his first individual exhibition at the ASTARTÉ Gallery, Valencia exhibits his most recent works which bear the name, “Letters and Slates”,   two series on which he has been working  in parallel during past three years. The expressive strength of his works stems from the purity of essence that the painter finds brooding over nature through observing simple leafs, flowers and landscapes.

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On the delicate Chinese papers, that Valencia has used as support (and which he selected one by one in Beijing) for his drawings, he reflects his western heritage of expressive gestures and the freedom of execution as well as the nude simplicity of the oriental art. However his art cannot be consider merely as pure expression, reflection of reality, because what is depicted goes far more than a pretext, because its ultimate goal is to seek answers through shapes and introspection.

Valencia´s frequent trips to China and Japan have had a very strong influence in way he portrays what he sees.  Although he frequently says that his work is “a European stroll through eastern art” and has never allowed his essence as an individual of western culture   to fade away in the collective sense of Asia. Very similarly  to what happened to Henri Michaux, in which all influence of  Chinese art and calligraphy was diluted and  embodied in his ink drawings,  which main theme was the desperate search for the artist self, his own search as an individual.

Similarly to Michaux, Manuel Valencia takes from the East only what interests him, like painting materials that he combines with western ones   and experiments through a contemporary language. He is attracted to those elements of nature that we consider insignificant, observing them closely, until he becomes dazzled by them. He combines poetry, calligraphy and painting,  following his  own rules, but giving priority to  the continuous flow of spontaneous ideas, tipical of  surrealism,  rather than to the  use  of a self contained   speech  or a set of signs. 

Undeniably of Eastern origin, the concept of analogy is present throughout his work.  The painter became interested in flowers and leafs when he realized that everything in nature is based on something else. Even things that pass without being noticed at men´s eyes, acquire significance in life. The tiny leaf, the stem or roots are equal in importance to the forest, seas and mountains. And so, each one of us, individuals apparently insignificant, are meaningful not only for humanity but for nature. Inside this universe of relations in which nothing is by itself, in which all is sustained by all, Manuel Valencia has escaped from the decorative and purely aesthetic aspect of nature to which is very frequently consigned by Western art and gives back to nature its essential role as life giving source.

In his latest work, “Slates”, he follows the same plastic trend of leafs and flowers of previous exhibitions with detailed craft in large format `paintings and with close-ups that give the spectator a new perspective from which to deal with nature in a way never before considered. We could say that nature has been raised to the superior category of a portrait, by using black flat backgrounds in which the figures seem to be floating and avoiding any sense of spatial rationality. It is also remarkable the usage of whites that spark on the vegetable motives which display an aestheticism (otherwise constant in all his work) that seems to stop time. The painter conceived these series and refers to them as well, as “still life”, instead of using the Spanish term of “Death Nature” (“Naturaleza Muerta”). And, indeed, in these images life seems to be frozen hadn´t it been for the presence of some writing sketches, which significance runs far beyond words and their meaning. As Bachelard would have said, “Some words are in full bloom, in their prime life”.

On its part “Letters” is an inner journey in which each image connects with   the other through a common bond: the small cape “Punta de Coves Blanques” in Mallorca.   Landscapes are always the result of a struggle between the “lines of force” that the painter has inherent in his language and those of nature itself. In this case, the outcome of the confrontation varies. Sometimes matter wins, others writing or gesture does. Despite all this, the exhibition structure is coherent in a manner that is difficult to explain perhaps because of the essential truth which is the flow of things.

Neither the Cape nor the sea represent here more than a link, a steady bond through which to watch the always changing reality, always in transit. Perfect metaphor for the act of seeing because what we are aware of is never the same. How we see things changes every second, (like us, we mute into something else) and with it everything that surrounds us. And again, once again, writing appears in each image, fluid, continuous, liquid as the sea water or clouds.

The final paradox is the excellent result achieved by the painter to capture the flow and movement through repetition, apparently the opposite principle. Valencia has decided to base this work on the repetition of the motifs; its appearance and language are constantly changing but the Mallorca´s sea landscape appears again and again, structuring all of his work.

When Kierkegaard states that all life is a repetition, he did not mean that we should build our life based on looking backward, living on memories. On the contrary, it is through repetition understood as a form of “forward memory” where we will find that the existence that is, what has been, now comes into existence again, just like in the work of Manuel Valencia. He probably would have never guessed that repetition would be the definitive journey through which he would discover himself.

Jennifer Calles

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Cartas y Pizarras – Galería Astarté, 2011 – Madrid

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Manuel Valencia – Catálogo Cartas y pizarras, Galería Astarté, 2011

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El arte es perfecto cuando parece ser naturaleza, y la naturaleza, a su vez, da en el blanco cuando encierra el arte imperceptiblemente.

Pseudo-Longino, De sublimitate

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Paciencia: saber dedicar tiempo a las cosas; tomarse un momento para mirar, sin apresurarse, con calma. Esa es, frente al ritmo frenético en el que nos vemos hoy imbuidos, la clave de una producción reveladora como la que lleva a cabo Manuel Valencia (Madrid 1954), en la que artesanía y concepto se aúnan para llevarnos ante un permanente diálogo entre arte y naturaleza.

En su novena exposición individual, primera en la Galería ASTARTÉ, Valencia presenta sus trabajos más recientes, “Cartas y Pizarras”, dos series a las que ha dedicado los últimos tres años y cuya fuerza expresiva arranca de la estética pureza de lo esencial que el pintor encuentra en hojas, flores o paisajes.

En los delicados papeles chinos que le sirven como soporte y que él mismo busca uno a uno y trae del gigante asiático, Valencia propone una ejecución plástica que refleja tanto la herencia occidental de la gestualidad expresiva y matérica como la sutileza y el despojamiento propios de la influencia oriental.

Así, nos encontramos ante una obra que no puede enmarcarse dentro de la pura expresividad, pero que tampoco considera la representación más allá de un simple pretexto, pues su fin último es la búsqueda de respuestas a través del paciente camino que va desde la forma hacia la introversión.

Inevitablemente, los frecuentes viajes que el pintor ha realizado a China y Japón han influido de forma decisiva en su forma de ver, de mirar. Sin embargo, él mismo reconoce que su trabajo no deja de ser un “paso occidental por oriente” en el que la subjetividad e independencia no han permitido nunca que su gesto de sujeto desaparezca. Algo parecido ocurría con la figura de Henri Michaux, en el que toda la influencia del arte y caligrafía chinos se veía rápidamente diluida al plasmarse en unos dibujos cuyo principal tema era la desesperada búsqueda del yo del artista, su propio descubrimiento.

Del mismo modo que Michaux, Manuel Valencia también coge de Oriente sólo lo que le interesa: recuperando sus materiales, pero mezclándolos con otros y experimentando a través de un lenguaje contemporáneo; deteniéndose ante aquellos elementos de la naturaleza que nos resultan insignificantes, pero deshaciéndolos en muchas ocasiones y buscando en ellos siempre su propio deslumbramiento; uniendo poesía, caligrafía y pintura dentro de sus principios artísticos, pero dando prioridad al fluir de pensamientos automáticos propio del surrealismo más que a cualquier elaboración de un discurso congruente o una lógica de signos.

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Sin duda, la influencia más irrefutablemente oriental de su trabajo reside en el concepto de analogía que lo recorre de principio a fin. Nuestro pintor comenzó a detener su atención en flores y hojas porque descubrió que todo se apoya en algo. Incluso aquellas cosas que pasan más desapercibidas ante nuestra mirada, adquieren una trascendencia esencial dentro del orden de la vida. La hoja, el tallo o la raíz son equiparables en importancia a bosques, mares o montañas. Y así, cada uno de nosotros como individuo, signos prácticamente inapreciables de la humanidad, dotamos a ésta de sentido. Dentro de este universo de relaciones en el que nada es por sí sólo, en el que todo se sustenta en todo, Manuel Valencia ha querido desligar a la naturaleza de esa condición decorativa y estética a la que a menudo se ve relegada por las premisas del arte occidental y devolverle su papel fundamental como fuente de vida.

Con el último de sus trabajos, “Pizarras”, continúa la línea de las hojas y flores pintadas con minuciosa habilidad, en grandes formatos y con primerísimos planos frontales que proporcionan al espectador un punto de vista nuevo desde el que abordar una parte de la naturaleza que nunca ha sido propiamente considerada y que aquí se eleva, podríamos decir, a la categoría del retrato. Sin embargo, en este caso nos encontramos con la peculiaridad de unos fondos planos y negros en los que las figuras parecen flotar y que anulan cualquier sensación espacial racional. Además, el blanco con el que fulgura este reducido número de motivos vegetales hace gala de un cromatismo ascético,constante por otra parte en toda su producción, capaz de parar el tiempo. El pintor concibe esta serie como un bodegón al que prefiere referirse con la expresión “still life” frente al concepto tradicional de “naturaleza muerta”. Y es que, efectivamente, en estas imágenes parecería que la vida se hubiese detenido de no ser por la presencia de unos esbozos de escritura cuyo trazo corre más allá de las palabras y su significado. Como diría Bachelard, existen palabras que están en plena floración, en plena vida.

“Cartas” por su parte constituye un viaje interior en el que cada imagen depende de las demás, teniendo todo el conjunto un nexo común: la Punta de Coves Blanques en Mallorca. En la pintura, el género del paisaje es siempre resultado de una lucha entre las líneas de fuerza que el pintor lleva intrínsecas en su lenguaje y las de la propia naturaleza. En este caso, el resultado final de dicho enfrentamiento es variable. Unas veces gana la materia, otras la escritura o el gesto. Y a pesar de ello, el montaje proporciona una coherencia al conjunto difícilmente explicable, fruto quizás de la verdad fundamental que constituye el fluir de las cosas.

Ni la Punta ni el mar representan aquí algo más que un enlace, un vínculo insistente a través del cual contemplar la realidad siempre cambiante, siempre en tránsito. Perfecta metáfora del acto de ver, que tampoco es nunca el mismo. La mirada se transforma a cada segundo, (como nosotros mismos, deviene) y con ella todo aquello que nos rodea. Y de nuevo, una vez más, la escritura aparece en cada imagen fluida, continua, líquida, como el agua.

..La paradoja final resulta del excelente resultado que consigue nuestro autor al plasmar ese fluir y esa circulación continúa a través del recurso, en principio opuesto, de la repetición. Valencia ha decidido basar su obra en la repetición de motivos, pero aunque el paisaje mallorquín aparece una y otra vez, su aspecto y su lenguaje están en perpetuo cambio.

Cuando Kierkegaard dice que toda la vida es una repetición, no se refiere a que debamos construir la nuestra en base al movimiento de retroceso que supone el recuerdo. Muy al contrario, es a través de la repetición entendida como forma de memoria hacia delante donde encontraremos que la existencia, esto es, lo que ya ha existido, empieza a existir ahora de nuevo. Fijémonos en la obra de Manuel Valencia… quién le iba a decir a este pintor que la repetición sería el viaje definitivo a través del cual se descubriría.

Jennifer Calles

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CARTAS es una correspondencia sin destinatario ante de un mar bravo, solitario y obsesivo.

Surgen con dibujos y palabras –que para el caso es lo mismo-, como un libro sin comienzo de nubes, mareas, horizontes, lunas y olas.

Rompí a escribirlas compulsivamente tras ocho años delante de ese trozo de mar, observando esa realidad acuosa, cambiante. El sismógrafo del dibujo recogía también cambios, ansiedades o lo que ese día me reventaba en la cabeza, confirmando el perpetuo movimiento entre observador y observado. CARTAS se fue convirtiendo en un viaje estático hacia dentro.

El lenguaje varía, se superpone, teniendo como nexo, casi tautológico, un motivo central, la Punta –pues no llega a cabo- de Coves Blanques con la que cohabito año tras año y que constituye mi horizonte visual persistente. Cartas se traban poco a poco con: tintas, grafito, cuerdas, algodón, vendas, acrílicos, arena sobre papel hecho a mano.

La obra tiene sentido en su conjunto, en la pluralidad, nunca en la unidad. Es como la naturaleza: todo se apoya en algo.

Al final, comprendí que no pintaba ni la Punta ni el mar, sino el acto de mirar, de ver despacio, para descubrir que detrás de cada imagen hay siempre otra imagen y después otra, buscando siempre, pues la realidad no es la que vemos.

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