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Mejor dejar que me definan las sucesivas entradas que realice en el blog; así no me encerraré en palabras y definiciones de mi mismo.

SEA POEMS: Drawings of Manuel Valencia – Mao Space, Shanghai, 2014

Landscape of Mind – Valencia’s Painting

Curated by Huang Du / Translated by Jin Hua

The work of Manuel Valencia shows such comprehensiveness that it is hard to define it as a particular kind of painting. This is the result of the openness of expression in his art pieces, which leads to a broad interpretation that transcends the limitations of tradition vs. modernity and East vs. West. His paintings leave a deep impression upon the viewer due to the infiltration and mixture of different mediums that cannot be isolated or enclosed, creating a clearly unique style in the combination of paper, pencil, color and form. Of course, uniqueness and expression are interrelated. Expression is connected with concept, and concept is expressed by form. In other words, if a painter is not able to get an insight of those relations, his or her uniqueness comes to zero. For an artist, a strong personality means bringing out new ideas from the inside in terms of language, concept and form. Valencia has fully believed in his own instinct and judgment. He flexibly deals with the visual relationship between color and pencil, material and form, whether that means keeping a balance between different colors or breaking that balance to create a feeling of flaw; showing relief in the combination of graphics and materiality, or confrontation between mediums. He has studied and experimented all those relationships with delicacy and from his conceptual perspective, building a perfect infrastructure and open language, and resulting in multiple meanings and paths for interpretation.

Valencia has depicted landscape as his subject matter. However, his landscapes are out of ordinary people’s imagination. He has interpreted landscape into the following three levels of meaning: Landscape as a signifier of still time and space; landscape as a poetic metaphor; and landscape as a mixture of narratives. In Valencia’s painting, a landscape describes the extended process of change in a unit of time or space when mixing individual expression and culture. It is the outcome of his choice, a filtration and editing of images, materials and forms. Therefore, his landscapes give way to a myriad of layers of perspectives. Generally, a landscape is a motif of narrative depicting the relations with natural and social environments. The painter’s subjectivity plays a driving role in the use of a piece of landscape as a narrative unit. Thus, what is being chosen and what is being removed become the elements which create a metaphysical visual expression. In his regard, landscape is not an objective record, but a subjective expression. Valencia shows enough artistic sensitivity to turn an objective landscape into the contemplation and metaphor of a subjective landscape. These two levels are completely deprived from the temptation of objective narrative, leading to the viewer’s psyche. This is a form of contraction and expansion of the time and space hidden in the images, in which the changes in landscape illustrate the scenery of the human heart in a gradual process that goes from contemplation to experiencing and ends in meditation. As a result, his works bring the viewer into a space of new imagination. Some of the images may be thought of as heavy rainfalls, vast darkness, calm sea, poetic landscape, infinite universe, broken walls, abstract representations… This kind of open language has undoubtedly been reflected upon the core concept of his paintings.

For Valencia, it doesn’t matter whether he is describing a figurative landscape or an abstract image, his expression’s motive and process implies a binary relationship between memory and imagination, experience and sentiment, contemplation and meditation. He focuses on exploring and showcasing aspects hidden in the landscape. In other words, this is not a just relationship between form and content, materials and concept, but rather a new and contemporary expression of landscape linked to nature, society, tradition, language and experience. All of this can only be attained through the artist’s unique methodology and the right use of paper, rope, plasters, cardboard, pencil, acrylic, ink and wash in form, as well as through a smooth handling of proportion in composition, delicacy and heaviness in color, lightness and darkness in the use of ink, and freedom and rigidness in completeness. As we can see, his paintings reflect his aesthetic taste and pursuit of simplicity in texture, wrinkles, grains, abstraction and reality, movement and stillness. Sometimes he even attaches images, adds drawings or handwrites random characters on the already finished piece of work, revealing the beauty of hand-made painting, creating a sense of ebb and flow on the peaceful texture of the rice paper, and adding movement to the picture with a perfect sense of verse and rhythm. This landscape construction method make the viewer feel as if intoxicated in the realm of poetry.

We could say that Valencia’s work fully presents the characteristics of a “physical painting”. He masters the use of traditional Chinese Xuan rice paper as his media of expression, adding on top daily life objects in order to enhance its vivid and expressive language. Of course we cannot deny the “physical” aspects of his paintings, but the full extent of use of that “physicality” further indicates that the material media itself is both an entity of objectivity and subjectivity. In other words, it has the function of words, and the implication of the multilayered referential meaning. From such a perspective, Valencia spreads live materials on rice paper, thus changing the expression of unity in paper and brush, and dipping into a form of painting that uses those materials as if they were words, instantly activating the meaning of the painting and the connotations of the objects, and assuring the inseparable relationship between form and material. Thus, in order to understand the visual implications of his work, one must comprehend materials and implied meanings in the physical properties of painting. It is obvious that the artist has given spiritual connotations to the materials in his series of works, and presented a wide variety of shape and texture in a way similar to sculpture or collage. This confirms that material is no longer reduced to lines and color, but also a way to highlight the performance of independent media. It also means an interactive relationship between the material itself and the formal infrastructure of meanings within the painting (i. e., imagery, semantics and metaphor).

In addition to materials and subject matter, one of the most impressive aspects of Valencia’s work is that his small-scale paintings on rice paper (CARTAS) can be installed into a larger piece of work, linking originally separate drawings in a much bigger whole. Each piece composes its visual expression by space, material and color, highlighting a closed and self insurmountable world, despite the intuition to comprehend the inner realm of silence, quiet, Zen and meditation.

It is clear that Valencia has very well interpreted the dimension of contemporary art expression. His creativity started from simple aesthetics, adopting open methodologies and image narrative, highlighting materials to express the purity of spiritual nature and the subjective wishes of an artist, and offering infinite imagination to its viewer.

English / Chinese CATALOGUE

The Skin Of The Sea – Yuan Space, Beijing, 2014

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Islados: Cruces liminales

Ensayo para Skin of the Sea: Obra reciente de Manuel Valencia, cuya exposición tendrá lugar en Yuan Space, Beijing CHINA, Marzo 2015

Skin of the Sea

A primera vista, Islados, una serie de marinas monocromáticas en técnica mixta del artista español Manuel Valencia, parece poner en escena la poesía de su santuario interno, concebido a partir del legado artístico del romanticismo, el expresionismo abstracto y el minimalismo. Sus “marinas”, de amplio horizonte compuestas en dos niveles, nos presentan un paisaje oceánico, sumergido en un sueño de ilusión, como un entorno distante que evoca el encuentro emotivo de lo completo y lo inalcanzable. Con reminiscencias de los horizontes espectrales que podemos ver en los espiritualmente inspirados trabajos de Mark Rothko, Cy Twombly y Gerard Richter, Islados envuelve nuestros ojos en un inmenso campo visual, evocando una experiencia sensorial del infinito e interiorizando lo sublime. En su statement artístico, Valencia describe Islados:

“Sueño, tiene comienzo y fin, pero carece de orillas. Soledad del artista, vasta y vacía como la del mar. Ser aislado. Soledad, pero independencia, supervivencia del individuo. Infinito, solo hasta donde alcanzamos a ver”.

El acto de ver, a caballo entre la oscuridad y la luz, es una respuesta de la emoción que históricamente ha cautivado a pensadores y artistas en todos los tiempos y culturas. Es en ese cruce momentáneo entre ambos espacios, cuando la subjetividad se transfiere desde una primera consciencia hacia la autoconciencia intensa, del cuerpo a la mente. A través de planos lumínicos, emerge un límite, la antesala de la conciencia interna. Plagado de significados enriquecidos e interpretaciones filosóficas, científicas, literarias y psicológicas, es inevitable que un límite así pueda rendirse a las interpretaciones artísticas más inspiradas.
Aún así Islados está dinamizado por una visión más compleja que la de ser simplemente el destilado autorretrato romántico del artista solitario. Cuando se evalúan en la paleta intercultural de la metodología y los medios en los que se mueve Valencia, algo nuevo, original e intrigantemente significativo aparece.
Nacido en Madrid, Valencia se crió en la costa del País Vasco. Apasionado por el arte, en su juventud visitó estudios de artistas españoles y también holandeses, conocidos por su sensibilidad hacia la luz y su inclinación hacia el azar y la espontaneidad en el proceso creativo. Los cuatro años que pasó Valencia en la Academia de Bellas Artes Stichting de Vrije en La Haya fueron el ambiente ideal para que adquiriese sólidos conocimientos en dibujo, composición y teoría contemporánea. Se entrenó como artista figurativo durante casi catorce años, aprendiendo del surrealismo y familiarizándose con el óleo y la madera, el acrílico, la acuarela y la técnica de acabados en témpera del renacimiento flamenco y holandés. Es también un experimentado viajero alrededor de todo el mundo debido a su antigua ocupación como hombre de negocios, y Valencia admite ser “poroso a las influencias externas”, abierto a explorar lo que él llama los “sedimentos de las experiencias vitales”. Un viaje a Kyoto hace quince años resultó ser una experiencia que le abrió los ojos y le inculcó esa sensibilidad hacia la estética china de las Dinastías Tang y Song. La revelación de la estética asiática como una manera alternativa de mirar y de crear que, según Valencia, “le cambiaron como hombre, como artista”.
Valencia llama Islados a su “paisaje de hilos… una lucha entre concepto y emoción contra un fondo dramático”. De cuadro a cuadro, las líneas gesticulan como tensiones psicosomáticas progresivas. Con hilos destrozados, lanas encontradas y tiras retorcidas de fibras de papel, crea un espectro de líneas ondulantes que sobresale de la tinta de las superficies, atrapando nuestra mirada en una cruda danza óptica. Aventureras, osadas y exuberantes, las robustas líneas de Valencia parecen resonar con el abandono de la escritura caligráfica. Exaltan la libertad del proceso de creación y rebosan energía como pinceladas en plena ejecución.
Prendidas en la suave textura del papel de arroz chino, sus intrincadas líneas reflejan una ejecución gestual que va en contra de las convenciones artísticas. Como personajes sobre un escenario, sus líneas palpitan, a veces como un murmullo susurrante, a veces como un torrente atronador, tomando la forma de pequeñas letras, estrofas poéticas, tormentas, vientos atmosféricos, explosiones y erupciones, atravesando y convergiendo en ondas de puntos, garabatos, nudos y turbulencias. Lo visible aquí no es una mera invitación a ver el infinito, más bien la mano deliberada del artista excavando, recortando y rascando, y su esfuerzo consciente por la deconstrucción y la reconstrucción. Entre carnalidad y abstracción, Valencia moldea líneas, formas y materiales que sobresalen tridimensionalmente, como extensiones corpóreas que dominan el espacio. En más que alguno de sus trabajos, una orilla emerge repetidamente en el lado izquierdo, encontrándose con el mar para interceptar el horizonte. Vivos, por su atrevida encarnación, estos bancos de tierra moldeados con papel maché, ejercitan contorsiones musculares. Son carnales, viscerales, elementos bárbaros que interfieren para interrumpir nuestra mirada hacia el infinito.
Las imaginativas formas de las orillas de Valencia, las montañas, las líneas, rezuman la fuerza visceral de poseer con autoridad el espacio en el que están colocadas. Valencia usa elementos literarios para imbuir su arte de significado. En una pieza notable, alude al nihilista tema de la muerte, el vacío y la desesperación, escribiendo a mano fragmentos del poema elegíaco de T.S. Eliot “The hollow men”. Lo transparente y la fragilidad, abiertas a encrucijadas y destrucciones, también juegan un importante papel en el trabajo de Valencia. Como si fuera una instalación inquietante, Valencia eleva el espectro entero de sus fibrosos hilos fuera del lienzo, suspendiéndolos como una débil cortina de redes rasgadas, haciendo la pieza accesible desde todos los puntos de vista, pero también vulnerable y erosionada en forma y materia.
En superficies como la del papel de arroz chino, íntimamente cargado de referencias culturales e históricas a aislamientos espaciotemporales, las “marinas” llenas de hilos pugnan una batalla sensorial para entrever un horizonte de apariencias sensuales, y cuestionando esencialmente nuestros hábitos de ver en los umbrales de la percepción. De cuadro a cuadro, el espectador es atraído a un proceso de identificación sin límites que busca continuamente conseguir coherencia, pero que nunca alcanza. Islados nos pide entrar en una aceptación abierta de reconocimientos combinados a lo largo de fronteras y límites. Es desde esta visión donde la identidad dual de Valencia como artista y como Embajador de España en China se convierte en una emocionante personificación de una auténtica y devastadora experiencia estética en la encrucijada de la persona y el mundo.

 

Yiling Mao
Fundadora y directora ejecutiva, Art Collectives, NY
A.B., A.M., East Asian Languages and Civilizations, Harvard University
M.Phil, Art History and Archaeology, Columbia University
Former Director of Sotheby’s; Special Advisor to Sotheby’s Institute of Art at Tsinghua University
Special Advisor to Beijing International Culture Center
China Advisory Board Member, Lincoln Center for Performing Arts

Tinta española

El mundo del arte no tiene fronteras

La tinta de Valencia

Quince años atrás, un artista español vio por primera vez en Kioto dibujos con tinta china sobre papel de arroz (xuanzhi) y quedó cautivado al instante por la fuerza expresiva de un medio diferente al óleo; quince años más tarde, este artista español ha expuesto una serie de obras, resultado de su experiencia a lo largo de los dos últimos años como Embajador de España en China, en la galería MAO SPACE de Shanghai bajo la muestra en solitario Poemas del mar. Este es nuestro personaje de hoy: Manuel Valencia.

Texto: Vicco Wu/ Maquetación: Jimyi/ Fotografía: Photoli/ Imágenes cedidas por MAO SPACE/ Espació: Taller Lichao/ Consultor artístico: Jin Hua/ Editores: Keke, Miki

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Una vida trabajando la tinta

Manuel Valencia - Impresiones de recorte de 9 x 13 cmAcudir con un interrogante a contemplar la muestra Poemas del mar inaugurada en la galería de Shanghai MAO SPACE es inevitable. Su protagonista, Manuel Valencia, recurre al uso de la tinta china contemporánea y al arte conceptual para componer un «poema» entrelazado. Sin embargo, partir de forma exclusiva de la moda de la “tinta china contemporánea” surgida estos últimos años para apreciar la obra de Valencia resulta parcial pues, no en vano, este artista español lleva quince años trabajando el medio. El profesor Jin Hua, catedrático de la Academia Central de Bellas Artes de China y amigo de Valencia, pone como ejemplos La casa de té y al dramaturgo Lao She para expresar un tema tan complejo como la universalidad del arte en términos sencillos: “Lao She vivió y trabajó muchos años en Inglaterra y adquirió una profunda comprensión de las cosas desde la perspectiva de dos culturas diferentes. Logró una obra como La casa de té gracias a su mirada incisiva y su habilidad para contemplar la esencia y las inmundicias de la cultura pekinesa tradicional desde una visión internacional”.
El mundo es inmenso y no podemos elegir nuestra nacionalidad al nacer, pero el lugar en que nos criamos no es tan importante; la clave está en rehuir de visiones simplistas a la hora de experimentar y analizar el arte, y en evitar imponernos restricciones. Alejándonos del contexto chino nos damos cuenta de que la tinta no es sólo cosa de dos años, que ha habido desde hace muchísimo tiempo quien no ha cesado de experimentar con ella y que tiene un ámbito mucho más amplio.
“Me gustó la tinta la primera vez que la vi. A continuación comencé a trabajar con ella y ya no pude parar. Desde entonces han pasado quince años”. Cuando Valencia explica la primera vez que apreció dibujos con tinta china en Kioto, impregnados del estilo Tang, esa emoción se contagia a todos y cada uno de los presentes.
La obra de Valencia no está sujeta a las formas tradicionales chinas: “No he tenido una educación formal en arte oriental, en mi cabeza no están presentes los grandes maestros de la antigüedad y, al carecer de esta devoción, tampoco estoy atado a ellos. Tal vez este es el motivo por el que no me he sentido encadenado a esas técnicas y normas”.
La tinta china de Valencia, si bien emplea materiales tradicionales chinos y mantiene en apariencia cierta relación con Oriente, se distancia a la vez por completo. En sus creaciones emplea con habilidad materiales novedosos que conoce bien, como el lápiz, la tiza o el propileno, y los mezcla para expresar lo que siente y piensa, recurriendo incluso a otras técnicas occidentales como el collage. Vuelca la tinta sobre el papel a su gusto y a veces emplea las manos para pintar.
“Tanto chinos como japoneses están sujetos a unas prácticas muy definidas y concretas en caligrafía y pintura, pero yo no tengo restricción alguna. Desde el primer boceto hasta la obra final, todo nace de la inspiración”. Este estado de libertad absoluta permite a Valencia redimirse de técnicas heredadas y entrar en contacto con su propio talento artístico utilizando medios sencillos para expresar sus sentimientos.

Manuel Valencia - Sea Poems 28

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Buscando la orientación en el mar del arte

“Hay personas que son artistas desde que nacen y hay personas que no podrían llegar a artistas en toda una vida”.
Manuel Valencia nació en Madrid y estudió en los noventa con grandes maestros holandeses como Pien Hazemburg, Bob Bonis y Dora Dolz, entre otros. “En la Academia de Bellas Artes de La Haya estudié pintura clásica, a respetar las técnicas clásicas y a discurrir por la senda del realismo”.
El estudio del arte en Holanda se divide por igual entre teoría y práctica. “Debíamos visitar museos y pinacotecas, y estudiar tratados de teoría. Luego investigábamos y discutíamos entre todos. La otra mitad de tiempo que quedaba libre era la que podíamos dedicar cada cual a nuestra obra”. En un principio, Valencia no se dedicó de forma profesional a la carrera artística por motivos personales, pero este estudio continuó durante treinta años. “Desde que comencé a estudiarlo hasta hoy, llevo treinta años ahondando en qué es el arte”.
Parecería que treinta años son muchos, pero en realidad son poco tiempo. “Llevo todo este tiempo buscando una dirección. He desechado lo que no me interesaba y continuado con lo que me interesaba. He ido por mi propio camino y estos treinta años han pasado en un instante”. Valencia ha expuesto su obra a lo largo de las últimas décadas en Pekín, Utah, La Haya, Voorburg, La Habana, Madrid, Barcelona… Mientras tanto ha escrito de forma ininterrumpida y publicado Diario de viajes acelerados, Tintas comunicantes y Diario de viajes acelerados —10 años, entre otros.
“En la cultura hay diferencias y similitudes. Cuando vas a otro lugar te das cuenta de que muchas de las cosas que considerabas normales y a menudo pasabas por alto son en realidad muy especiales”. Por este motivo, Valencia descubrió un día el papel, se entusiasmó y siguió por ese camino.

Conocer la propia identidad

Manuel Valencia - Sea Poems 21El día del montaje de la exposición, Valencia realizó un dibujo con tinta china en la galería MAO SPACE. “Dibujé un paisaje en un espejo de la galería, de forma que quien contempla ese paisaje pasa a estar dentro y formar parte del mismo”. La explicación de Valencia recuerda a Alicia a través del espejo: “Al entrar en el paisaje te vuelves más misterioso. Los demás saben que te encuentras a este lado del espejo, pero no pueden imaginarse cómo te sientes al otro lado”. En este punto la técnica deja de ser un factor importante y la clave reside en la idea del artista y en cómo se plasma.
“Todos tenemos un pasado y un futuro. Estamos ya en el siglo XXI y debemos buscar nuestra verdadera identidad”. Valencia considera que pinta para buscarse a sí mismo. “No se trata sólo de la persona sino de explicar las propias ideas desde una perspectiva artística. Lo que parece una pintura de un paisaje es en realidad una pintura interior”.
“¿Quién soy? ¿Dónde quiero ir?”, cuando uno responde con claridad a estas preguntas sabe qué quiere hacer. En la obra titulada Autorretrato Valencia pinta árboles y hojas sobre un gran pliego de papel. “Esto es en realidad un reflejo de mi interior”. El pintor emplea el pincel para resolver las grandes cuestiones filosóficas. Lleva haciéndolo sin cesar desde los últimos cuatro o cinco mil años y sin duda alguna seguirá haciéndolo en el futuro. Valencia pone como ejemplo al pintor estadounidenses Willem de Kooning y su “hasta la muerte” como metáfora de la misión del artista: “Pintar es la vida del artista”.
Valencia siente que le falta el aire el día que no pinta algo. Siempre lleva encima una libreta de papel de arroz y aprovecha cualquier momento que le queda libre para dibujar. “No me separo de esto. Basta con dibujar un esbozo para que me sienta parte de él, así que casi no me queda tiempo para dedicarlo a otros vicios”.
“Tengo una faceta de diplomático, pero esto no significa que vaya a abandonar mi carrera artística. Pasados unos años, cuando mi misión toque a su fin, seguiré creando porque el arte es una profesión vitalicia”. El arte y la vida no se separan en el mundo de Valencia. “Antes trabajaba para la empresa privada y ahora estoy sirviendo a mi país. En el trabajo me implico plenamente en mis responsabilidades, pero el artista crea con la cabeza. Cuando trabajo no tengo tiempo para dibujar, pero a menudo surgen imágenes. Así introduzco el arte en mi carrera profesional, de forma que ambos acaban estando unidos”.

En el camino del arte no hay atajos

En cuanto a la relación entre el arte global y local, Valencia considera que el arte de hoy en día no tiene fronteras. El teléfono móvil conecta cualquier distancia. “Es muy fácil conocer qué están haciendo otros artistas. Esta forma de intercambiar información entre unos y otros es en realidad muy parecida en cualquier lugar del mundo. Claro que esto lleva a veces a muchos artistas a copiar de aquí y allí, buscando un atajo para hacerse famosos cuanto antes. En mi opinión esto es un error, un camino sin salida”.
Valencia subraya que hay algunos aspectos que no deberían preocupar al artista en absoluto: el primero, la fama; el segundo, el dinero; y el tercero, el éxito. “Basta con hallar la identidad que se corresponda a la perfección con nosotros mismos, saber quiénes somos. Tal vez esas cosas lleguen solas sin darnos cuenta, aunque eso tiene mucho que ver con las circunstancias y la suerte personal de cada uno. Si piensas en buscar atajos, tu arte será basura”.

Mineralized, imaginary landscapes

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Manuel Valencia - Sea Poems 14Dreams of seas, horizons, clouds, waves; mind cartographies; a space which connects everything to everything.
A dream with a start and an end, but no shoreline.
Like tree leaves, humans, clouds and many other things, waves are all the same but just slightly different. This is what really matters to me.
Landscapes in strings. Waves made of threads and yarn, intertwined like letters in a sentence, on a personal diary. Sea’s rhizomes.
Black and white. Black contains all colours and white is the colour of the passing time.
It is a geological but also romantic space. An awkward, silent and peaceful truth. A fight between concept and emotion against a dramatic background.
The artist’s loneliness, empty and wide like the sea. An isolated being, secluded, independent, but a survivor.
Endless landscape, but only in the limit of our eyesight.

Paisajes imaginarios, mineralizados

Sueños de mar, horizonte, nubes, olas; cartografías mentales; espacio en que se conecta todo con todo.
Sueño tiene comienzo y fin, pero carece de orillas.
Como las hojas, hombres, nubes, y tantas otras cosas, las olas son todas iguales pero diferentes. Estas son las cosas que a mi realmente me importan.
Paisajes ahilados. Olas de cuerdas e hilos se trenzan como las letras de una frase, de un diario. Son rizomas del mar.
Negro y blanco. El negro contiene todos los colores y el blanco es el color del tiempo.
Es un tiempo geológico, pero también romántico, una emoción incómoda pero también silenciosa y pacífica. Una lucha entre el concepto y emoción con algo tremendo al fondo. La soledad del artista, vasta y vacía como la del mar. Ser aislado. Soledad pero independencia, supervivencia del individuo.
Infinito, solo hasta donde alcanzamos a ver.

想象的、矿物化的风景。

大海、天边、云朵和波涛的梦;脑海里的图像,使一切与一切连接在这空间中。
有始有终但却无边无岸的梦境。
宛似树叶、人群、云彩,诸多其他的事情,所有的波浪都相似却又不同。
这些是我的确关注的事情。
线条的风景。绳与线织的波浪,像一句话、一篇日记的文字。它们是大海的根茎。
黑与白。黑包含所有的颜色而白是时间的颜色。
这是地质的但又是浪漫的时间,纠结却又寂静、平和的真实。信念和激情之间具有可怕背景的斗争。
艺术家的孤独,像大海一样空旷。孤立。孤独却独立,个体的生存。无限,特立独行直至我们视野的边缘。

 

Landscape of Mind – Valencia’s Painting

Manuel Valencia - Sea Poems 06The work of Manuel Valencia shows such comprehensiveness that it is hard to define it as a particular kind of painting. This is the result of the openness of expression in his art pieces, which leads to a broad interpretation that transcends the limitations of tradition vs. modernity and East vs. West. His paintings leave a deep impression upon the viewer due to the infiltration and mixture of different mediums that cannot be isolated or enclosed, creating a clearly unique style in the combination of paper, pencil, color and form. Of course, uniqueness and expression are interrelated. Expression is connected with concept, and concept is expressed by form. In other words, if a painter is not able to get an insight of those relations, his or her uniqueness comes to zero. For an artist, a strong personality means bringing out new ideas from the inside in terms of language, concept and form. Valencia has fully believed in his own instinct and judgment. He flexibly deals with the visual relationship between color and pencil, material and form, whether that means keeping a balance between different colors or breaking that balance to create a feeling of flaw; showing relief in the combination of graphics and materiality, or confrontation between mediums. He has studied and experimented all those relationships with delicacy and from his conceptual perspective, building a perfect infrastructure and open language, and resulting in multiple meanings and paths for interpretation.

Valencia has depicted landscape as his subject matter. However, his landscapes are out of ordinary people’s imagination. He has interpreted landscape into the following three levels of meaning: Landscape as a signifier of still time and space; landscape as a poetic metaphor; and landscape as a mixture of narratives. In Valencia’s painting, a landscape describes the extended process of change in a unit of time or space when mixing individual expression and culture. It is the outcome of his choice, a filtration and editing of images, materials and forms. Therefore, his landscapes give way to a myriad of layers of perspectives. Generally, a landscape is a motif of narrative depicting the relations with natural and social environments. The painter’s subjectivity plays a driving role in the use of a piece of landscape as a narrative unit. Thus, what is being chosen and what is being removed become the elements which create a metaphysical visual expression. In his regard, landscape is not an objective record, but a subjective expression. Valencia shows enough artistic sensitivity to turn an objective landscape into the contemplation and metaphor of a subjective landscape. These two levels are completely deprived from the temptation of objective narrative, leading to the viewer’s psyche. This is a form of contraction and expansion of the time and space hidden in the images, in which the changes in landscape illustrate the scenery of the human heart in a gradual process that goes from contemplation to experiencing and ends in meditation. As a result, his works bring the viewer into a space of new imagination. Some of the images may be thought of as heavy rainfalls, vast darkness, calm sea, poetic landscape, infinite universe, broken walls, abstract representations… This kind of open language has undoubtedly been reflected upon the core concept of his paintings.

 For Valencia, it doesn’t matter whether he is describing a figurative landscape or an abstract image, his expression’s motive and process implies a binary relationship between memory and imagination, experience and sentiment, contemplation and meditation. He focuses on exploring and showcasing aspects hidden in the landscape. In other words, this is not a just relationship between form and content, materials and concept, but rather a new and contemporary expression of landscape linked to nature, society, tradition, language and experience. All of this can only be attained through the artist’s unique methodology and the right use of paper, rope, plasters, cardboard, pencil, acrylic, ink and wash in form, as well as through a smooth handling of proportion in composition, delicacy and heaviness in color, lightness and darkness in the use of ink, and freedom and rigidness in completeness. As we can see, his paintings reflect his aesthetic taste and pursuit of simplicity in texture, wrinkles, grains, abstraction and reality, movement and stillness. Sometimes he even attaches images, adds drawings or handwrites random characters on the already finished piece of work, revealing the beauty of hand-made painting, creating a sense of ebb and flow on the peaceful texture of the rice paper, and adding movement to the picture with a perfect sense of verse and rhythm. This landscape construction method make the viewer feel as if intoxicated in the realm of poetry.

 We could say that Valencia’s work fully presents the characteristics of a “physical painting”. He masters the use of traditional Chinese Xuan rice paper as his media of expression, adding on top daily life objects in order to enhance its vivid and expressive language. Of course we cannot deny the “physical” aspects of his paintings, but the full extent of use of that “physicality” further indicates that the material media itself is both an entity of objectivity and subjectivity. In other words, it has the function of words, and the implication of the multi-layered referential meaning. From such a perspective, Valencia spreads live materials on rice paper, thus changing the expression of unity in paper and brush, and dipping into a form of painting that uses those materials as if they were words, instantly activating the meaning of the painting and the connotations of the objects, and assuring the inseparable relationship between form and material. Thus, in order to understand the visual implications of his work, one must comprehend materials and implied meanings in the physical properties of painting. It is obvious that the artist has given spiritual connotations to the materials in his series of works, and presented a wide variety of shape and texture in a way similar to sculpture or collage. This confirms that material is no longer reduced to lines and color, but also a way to highlight the performance of independent media. It also means an interactive relationship between the material itself and the formal infrastructure of meanings within the painting (i. e., imagery, semantics and metaphor).

 In addition to materials and subject matter, one of the most impressive aspects of Valencia’s work is that his small-scale paintings on rice paper (CARTAS) can be installed into a larger piece of work, linking originally separate drawings in a much bigger whole. Each piece composes its visual expression by space, material and color, highlighting a closed and self-insurmountable world, despite the intuition to comprehend the inner realm of silence, quiet, Zen and meditation.

It is clear that Valencia has very well interpreted the dimension of contemporary art expression. His creativity started from simple aesthetics, adopting open methodologies and image narrative, highlighting materials to express the purity of spiritual nature and the subjective wishes of an artist, and offering infinite imagination to its viewer.

Curated by Huang Du (Translated by Jin Hua)

Manuel Valencia - Sea Poems 30


以物质为出口

——瓦伦西亚的绘画

黄 笃 策展人 

曼努埃尔瓦伦西亚(Manuel Valencia)绘画所展现的综合性,几乎难以界定其绘画类型,这是因为他在作品语言上呈现出开放性,这种语言的开放也意味着解读的开放,即穿越了传统与现代、东方与西方的界限与范式。他的作品给人以深刻印象就在于他有意将媒介相互渗透和融合,使其无法完全被隔离和封闭起来,不断让材料、铅笔、色彩和形式在交融中形成鲜明的个性风格。当然,个性与语言相关,语言被观念牵动,观念则以形式的显现。换言之,倘若不能充分洞察到这些信息,那么画家个性就等于零。如果艺术家想成为一个有个性的人,就必须从内向外充分展现作品在语言、观念和形式上的新意。所以,瓦伦西亚充分相信自己的直觉与判断,他的纸上作品常采用某些轻盈的现成物材料和随意性绘画的表现手段,通过主观的物化过程,将之转化为充满独特视觉语言的审美形式。他灵活处理了颜色、铅笔、物质、形式之间的视觉关系:无论是在形式和色彩的关系上力保画面的均衡性,还是在整体与局部的关系上打破平衡尺度而展现的“缺陷”感,无论是在纸本平面与材料的关系上着意彰显其材料的浮雕感,还是把材料与材料之间处理成“对抗”状态,他以细致入微和观念的眼光对这些层层关系进行了特别精细的研究与实验,建构了结构精巧、开放的绘画语言,而赋予诸多含义,提供了开放性的解读途径。

瓦伦西亚的绘画以风景为表现对象,不同于一般人想像的风景,他把风景理解成这样三个层面的含义:风景是一种时空的凝缩。风景是一种诗意的隐喻。风景是一种混合的叙事。在瓦伦西亚的绘画中,风景描述的是一个时间、空间单位怎样向个人主观表达和文化融合转变的延展过程,它是经由他选择、过滤和编排的图像、物质与形式所生成的结果。因此,他表现的风景向我们打开了多层视角。一般而言,风景是与自然环境和社会环境相关的叙事主体,尤其在以风景空间为叙事的单位中画家的主观性起到内在动力作用,即如何在选择与取舍中形成形而上的视觉语言。这里,风景并不是客观的记录,而是主观的表现。于是瓦伦西亚有着足够的艺术敏感度,把客观之景转换成主观之景的凝视和隐喻,这种双层所指彻底摆脱了风景客观叙事的诱惑,将观者引向心理层面——这是对隐于图像的时空维度的凝缩与展开,透过景色之变化以探视人的内心景观,即凝视到体验再到冥想的渐进过程。因此,他的这些作品就把人引入新的遐想空间,有的(图像)似暴风骤雨,有的如茫茫黑夜,有的像宁静海面,有的如诗意山水,有的似浩瀚宇宙,有的像残垣墙壁,有的如抽象物象,…… 这种开放性的语言无疑证明了他绘画的观念核心。

在瓦伦西亚看来,无论描绘的是具象的风景,还是表现的是抽象的物象,画家的表现动机与过程无非为我们暗示了记忆与联想、体验与感悟、凝视与冥想的二元关系。他重视挖掘和展示风景隐藏和引伸的东西,也就是说,这不仅仅是形式与内容、物质与观念的关系,而是如何在风景与自然、风景与社会、风景与传统、风景与语言、风景与经验的关系中转译和生成新的当代绘画语言。这一切完全取决于艺术家独特的方法论来实现,他在形式上把握宣纸、绳子、石膏、卡纸、铅笔、丙烯、水墨之关系得当,即(构图)多与少、(色彩)轻与重、(墨色)浓与淡、(整体)收与放之间的尺度处理自如。正如我们所看到的那样,他的绘画尽现了个人对质朴、褶皱、肌理、虚实、动静美学品味追求,有时他甚至以偶发式方法用铅笔在已完成的绘画作品上紧贴宣纸随意涂划或书写文字,既显示了绘画手工性的魅力,又让平静的画面顿起波澜,增添了其动态形貌,尽现韵律感和节奏感如此方法聚合的景象,犹如让人陶醉于诗性之境界。

可以说,瓦伦西亚的作品尽现物质绘画之特点。他擅长用中国传统宣纸作为表现媒介,并将许多日常物质掺入纸上,以增强其语言生动性与表现力。当然,既然无法回避他绘画的物质性,那么物质的充分运用进一步表明:物质材料既被作为自在之物,又是主观之物。也就是说,它具有词语的功能,并蕴涵了多层的指涉含义。从这一角度看,瓦伦西亚将具有生命感的材料分布于宣纸,这种方式改变了纸笔表现的单一性,以具有词语般的材料介入绘画形式,立刻激活了画面意味,既让材料显现出物自身的意义,又确证形式与材料不可分离的关系。在这个意义上,倘若要理解他的作品视觉内涵,就必须在物质绘画属性上解读材料所隐含和呈现的意义。显然,在系列作品中,他赋予了材料一种精神内涵,以类似雕塑或材料拼贴的手法塑造或表现出各种各样肌理幻象,既确证材质不再沦为线条、色彩的附庸,又凸显其具有独立表现性的媒介,又说明了艺术家观念与作品材料的互动关系,从而使材质本身与形式结构之间建构和凸现了绘画自身的意义,即意象、语义和隐喻。 

除了绘画的物质性所构成的特点,瓦伦西亚的作品给人最深刻的印象在于他的一幅幅小纸本画能拼成一组组既独立又关联的大画组合,每一幅画由空间、物质和色块构成视觉语言,显出一种萧瑟、孤寂、焦虑感,而其形式被提炼和简化为能触动人心灵深处的意象,仿佛一个闭合的、难以逾越自我世界,任凭直觉去感悟内心之境的沉默、宁静、禅意和冥想。

显然,瓦伦西亚深谙当代艺术的语言维度,他的绘画创作以简朴美学为出发,采用开放的表现方法与图像叙事,强调以绘画的物质性表现纯粹的精神性——既表达了艺术家个人的主观意志,又给予观众无限的想像。