Archivo de la categoría: Exhibitions

The Flowers Series. Drawings – Mao Space, Shanghai, May 2018



SEA POEMS: Drawings of Manuel Valencia – Mao Space, Shanghai, 2014

Landscape of Mind – Valencia’s Painting

Curated by Huang Du / Translated by Jin Hua

The work of Manuel Valencia shows such comprehensiveness that it is hard to define it as a particular kind of painting. This is the result of the openness of expression in his art pieces, which leads to a broad interpretation that transcends the limitations of tradition vs. modernity and East vs. West. His paintings leave a deep impression upon the viewer due to the infiltration and mixture of different mediums that cannot be isolated or enclosed, creating a clearly unique style in the combination of paper, pencil, color and form. Of course, uniqueness and expression are interrelated. Expression is connected with concept, and concept is expressed by form. In other words, if a painter is not able to get an insight of those relations, his or her uniqueness comes to zero. For an artist, a strong personality means bringing out new ideas from the inside in terms of language, concept and form. Valencia has fully believed in his own instinct and judgment. He flexibly deals with the visual relationship between color and pencil, material and form, whether that means keeping a balance between different colors or breaking that balance to create a feeling of flaw; showing relief in the combination of graphics and materiality, or confrontation between mediums. He has studied and experimented all those relationships with delicacy and from his conceptual perspective, building a perfect infrastructure and open language, and resulting in multiple meanings and paths for interpretation.

Valencia has depicted landscape as his subject matter. However, his landscapes are out of ordinary people’s imagination. He has interpreted landscape into the following three levels of meaning: Landscape as a signifier of still time and space; landscape as a poetic metaphor; and landscape as a mixture of narratives. In Valencia’s painting, a landscape describes the extended process of change in a unit of time or space when mixing individual expression and culture. It is the outcome of his choice, a filtration and editing of images, materials and forms. Therefore, his landscapes give way to a myriad of layers of perspectives. Generally, a landscape is a motif of narrative depicting the relations with natural and social environments. The painter’s subjectivity plays a driving role in the use of a piece of landscape as a narrative unit. Thus, what is being chosen and what is being removed become the elements which create a metaphysical visual expression. In his regard, landscape is not an objective record, but a subjective expression. Valencia shows enough artistic sensitivity to turn an objective landscape into the contemplation and metaphor of a subjective landscape. These two levels are completely deprived from the temptation of objective narrative, leading to the viewer’s psyche. This is a form of contraction and expansion of the time and space hidden in the images, in which the changes in landscape illustrate the scenery of the human heart in a gradual process that goes from contemplation to experiencing and ends in meditation. As a result, his works bring the viewer into a space of new imagination. Some of the images may be thought of as heavy rainfalls, vast darkness, calm sea, poetic landscape, infinite universe, broken walls, abstract representations… This kind of open language has undoubtedly been reflected upon the core concept of his paintings.

For Valencia, it doesn’t matter whether he is describing a figurative landscape or an abstract image, his expression’s motive and process implies a binary relationship between memory and imagination, experience and sentiment, contemplation and meditation. He focuses on exploring and showcasing aspects hidden in the landscape. In other words, this is not a just relationship between form and content, materials and concept, but rather a new and contemporary expression of landscape linked to nature, society, tradition, language and experience. All of this can only be attained through the artist’s unique methodology and the right use of paper, rope, plasters, cardboard, pencil, acrylic, ink and wash in form, as well as through a smooth handling of proportion in composition, delicacy and heaviness in color, lightness and darkness in the use of ink, and freedom and rigidness in completeness. As we can see, his paintings reflect his aesthetic taste and pursuit of simplicity in texture, wrinkles, grains, abstraction and reality, movement and stillness. Sometimes he even attaches images, adds drawings or handwrites random characters on the already finished piece of work, revealing the beauty of hand-made painting, creating a sense of ebb and flow on the peaceful texture of the rice paper, and adding movement to the picture with a perfect sense of verse and rhythm. This landscape construction method make the viewer feel as if intoxicated in the realm of poetry.

We could say that Valencia’s work fully presents the characteristics of a “physical painting”. He masters the use of traditional Chinese Xuan rice paper as his media of expression, adding on top daily life objects in order to enhance its vivid and expressive language. Of course we cannot deny the “physical” aspects of his paintings, but the full extent of use of that “physicality” further indicates that the material media itself is both an entity of objectivity and subjectivity. In other words, it has the function of words, and the implication of the multilayered referential meaning. From such a perspective, Valencia spreads live materials on rice paper, thus changing the expression of unity in paper and brush, and dipping into a form of painting that uses those materials as if they were words, instantly activating the meaning of the painting and the connotations of the objects, and assuring the inseparable relationship between form and material. Thus, in order to understand the visual implications of his work, one must comprehend materials and implied meanings in the physical properties of painting. It is obvious that the artist has given spiritual connotations to the materials in his series of works, and presented a wide variety of shape and texture in a way similar to sculpture or collage. This confirms that material is no longer reduced to lines and color, but also a way to highlight the performance of independent media. It also means an interactive relationship between the material itself and the formal infrastructure of meanings within the painting (i. e., imagery, semantics and metaphor).

In addition to materials and subject matter, one of the most impressive aspects of Valencia’s work is that his small-scale paintings on rice paper (CARTAS) can be installed into a larger piece of work, linking originally separate drawings in a much bigger whole. Each piece composes its visual expression by space, material and color, highlighting a closed and self insurmountable world, despite the intuition to comprehend the inner realm of silence, quiet, Zen and meditation.

It is clear that Valencia has very well interpreted the dimension of contemporary art expression. His creativity started from simple aesthetics, adopting open methodologies and image narrative, highlighting materials to express the purity of spiritual nature and the subjective wishes of an artist, and offering infinite imagination to its viewer.

English / Chinese CATALOGUE

The Skin Of The Sea – Yuan Space, Beijing, 2014


Islados: Cruces liminales

Ensayo para Skin of the Sea: Obra reciente de Manuel Valencia, cuya exposición tendrá lugar en Yuan Space, Beijing CHINA, Marzo 2015

Skin of the Sea

A primera vista, Islados, una serie de marinas monocromáticas en técnica mixta del artista español Manuel Valencia, parece poner en escena la poesía de su santuario interno, concebido a partir del legado artístico del romanticismo, el expresionismo abstracto y el minimalismo. Sus “marinas”, de amplio horizonte compuestas en dos niveles, nos presentan un paisaje oceánico, sumergido en un sueño de ilusión, como un entorno distante que evoca el encuentro emotivo de lo completo y lo inalcanzable. Con reminiscencias de los horizontes espectrales que podemos ver en los espiritualmente inspirados trabajos de Mark Rothko, Cy Twombly y Gerard Richter, Islados envuelve nuestros ojos en un inmenso campo visual, evocando una experiencia sensorial del infinito e interiorizando lo sublime. En su statement artístico, Valencia describe Islados:

“Sueño, tiene comienzo y fin, pero carece de orillas. Soledad del artista, vasta y vacía como la del mar. Ser aislado. Soledad, pero independencia, supervivencia del individuo. Infinito, solo hasta donde alcanzamos a ver”.

El acto de ver, a caballo entre la oscuridad y la luz, es una respuesta de la emoción que históricamente ha cautivado a pensadores y artistas en todos los tiempos y culturas. Es en ese cruce momentáneo entre ambos espacios, cuando la subjetividad se transfiere desde una primera consciencia hacia la autoconciencia intensa, del cuerpo a la mente. A través de planos lumínicos, emerge un límite, la antesala de la conciencia interna. Plagado de significados enriquecidos e interpretaciones filosóficas, científicas, literarias y psicológicas, es inevitable que un límite así pueda rendirse a las interpretaciones artísticas más inspiradas.
Aún así Islados está dinamizado por una visión más compleja que la de ser simplemente el destilado autorretrato romántico del artista solitario. Cuando se evalúan en la paleta intercultural de la metodología y los medios en los que se mueve Valencia, algo nuevo, original e intrigantemente significativo aparece.
Nacido en Madrid, Valencia se crió en la costa del País Vasco. Apasionado por el arte, en su juventud visitó estudios de artistas españoles y también holandeses, conocidos por su sensibilidad hacia la luz y su inclinación hacia el azar y la espontaneidad en el proceso creativo. Los cuatro años que pasó Valencia en la Academia de Bellas Artes Stichting de Vrije en La Haya fueron el ambiente ideal para que adquiriese sólidos conocimientos en dibujo, composición y teoría contemporánea. Se entrenó como artista figurativo durante casi catorce años, aprendiendo del surrealismo y familiarizándose con el óleo y la madera, el acrílico, la acuarela y la técnica de acabados en témpera del renacimiento flamenco y holandés. Es también un experimentado viajero alrededor de todo el mundo debido a su antigua ocupación como hombre de negocios, y Valencia admite ser “poroso a las influencias externas”, abierto a explorar lo que él llama los “sedimentos de las experiencias vitales”. Un viaje a Kyoto hace quince años resultó ser una experiencia que le abrió los ojos y le inculcó esa sensibilidad hacia la estética china de las Dinastías Tang y Song. La revelación de la estética asiática como una manera alternativa de mirar y de crear que, según Valencia, “le cambiaron como hombre, como artista”.
Valencia llama Islados a su “paisaje de hilos… una lucha entre concepto y emoción contra un fondo dramático”. De cuadro a cuadro, las líneas gesticulan como tensiones psicosomáticas progresivas. Con hilos destrozados, lanas encontradas y tiras retorcidas de fibras de papel, crea un espectro de líneas ondulantes que sobresale de la tinta de las superficies, atrapando nuestra mirada en una cruda danza óptica. Aventureras, osadas y exuberantes, las robustas líneas de Valencia parecen resonar con el abandono de la escritura caligráfica. Exaltan la libertad del proceso de creación y rebosan energía como pinceladas en plena ejecución.
Prendidas en la suave textura del papel de arroz chino, sus intrincadas líneas reflejan una ejecución gestual que va en contra de las convenciones artísticas. Como personajes sobre un escenario, sus líneas palpitan, a veces como un murmullo susurrante, a veces como un torrente atronador, tomando la forma de pequeñas letras, estrofas poéticas, tormentas, vientos atmosféricos, explosiones y erupciones, atravesando y convergiendo en ondas de puntos, garabatos, nudos y turbulencias. Lo visible aquí no es una mera invitación a ver el infinito, más bien la mano deliberada del artista excavando, recortando y rascando, y su esfuerzo consciente por la deconstrucción y la reconstrucción. Entre carnalidad y abstracción, Valencia moldea líneas, formas y materiales que sobresalen tridimensionalmente, como extensiones corpóreas que dominan el espacio. En más que alguno de sus trabajos, una orilla emerge repetidamente en el lado izquierdo, encontrándose con el mar para interceptar el horizonte. Vivos, por su atrevida encarnación, estos bancos de tierra moldeados con papel maché, ejercitan contorsiones musculares. Son carnales, viscerales, elementos bárbaros que interfieren para interrumpir nuestra mirada hacia el infinito.
Las imaginativas formas de las orillas de Valencia, las montañas, las líneas, rezuman la fuerza visceral de poseer con autoridad el espacio en el que están colocadas. Valencia usa elementos literarios para imbuir su arte de significado. En una pieza notable, alude al nihilista tema de la muerte, el vacío y la desesperación, escribiendo a mano fragmentos del poema elegíaco de T.S. Eliot “The hollow men”. Lo transparente y la fragilidad, abiertas a encrucijadas y destrucciones, también juegan un importante papel en el trabajo de Valencia. Como si fuera una instalación inquietante, Valencia eleva el espectro entero de sus fibrosos hilos fuera del lienzo, suspendiéndolos como una débil cortina de redes rasgadas, haciendo la pieza accesible desde todos los puntos de vista, pero también vulnerable y erosionada en forma y materia.
En superficies como la del papel de arroz chino, íntimamente cargado de referencias culturales e históricas a aislamientos espaciotemporales, las “marinas” llenas de hilos pugnan una batalla sensorial para entrever un horizonte de apariencias sensuales, y cuestionando esencialmente nuestros hábitos de ver en los umbrales de la percepción. De cuadro a cuadro, el espectador es atraído a un proceso de identificación sin límites que busca continuamente conseguir coherencia, pero que nunca alcanza. Islados nos pide entrar en una aceptación abierta de reconocimientos combinados a lo largo de fronteras y límites. Es desde esta visión donde la identidad dual de Valencia como artista y como Embajador de España en China se convierte en una emocionante personificación de una auténtica y devastadora experiencia estética en la encrucijada de la persona y el mundo.


Yiling Mao
Fundadora y directora ejecutiva, Art Collectives, NY
A.B., A.M., East Asian Languages and Civilizations, Harvard University
M.Phil, Art History and Archaeology, Columbia University
Former Director of Sotheby’s; Special Advisor to Sotheby’s Institute of Art at Tsinghua University
Special Advisor to Beijing International Culture Center
China Advisory Board Member, Lincoln Center for Performing Arts

Mineralized, imaginary landscapes


Manuel Valencia - Sea Poems 14Dreams of seas, horizons, clouds, waves; mind cartographies; a space which connects everything to everything.
A dream with a start and an end, but no shoreline.
Like tree leaves, humans, clouds and many other things, waves are all the same but just slightly different. This is what really matters to me.
Landscapes in strings. Waves made of threads and yarn, intertwined like letters in a sentence, on a personal diary. Sea’s rhizomes.
Black and white. Black contains all colours and white is the colour of the passing time.
It is a geological but also romantic space. An awkward, silent and peaceful truth. A fight between concept and emotion against a dramatic background.
The artist’s loneliness, empty and wide like the sea. An isolated being, secluded, independent, but a survivor.
Endless landscape, but only in the limit of our eyesight.

Paisajes imaginarios, mineralizados

Sueños de mar, horizonte, nubes, olas; cartografías mentales; espacio en que se conecta todo con todo.
Sueño tiene comienzo y fin, pero carece de orillas.
Como las hojas, hombres, nubes, y tantas otras cosas, las olas son todas iguales pero diferentes. Estas son las cosas que a mi realmente me importan.
Paisajes ahilados. Olas de cuerdas e hilos se trenzan como las letras de una frase, de un diario. Son rizomas del mar.
Negro y blanco. El negro contiene todos los colores y el blanco es el color del tiempo.
Es un tiempo geológico, pero también romántico, una emoción incómoda pero también silenciosa y pacífica. Una lucha entre el concepto y emoción con algo tremendo al fondo. La soledad del artista, vasta y vacía como la del mar. Ser aislado. Soledad pero independencia, supervivencia del individuo.
Infinito, solo hasta donde alcanzamos a ver.




Recent works “Botanical Poems”