Archivo de la categoría: Solo Exhibitions

The Flowers Series. Drawings – Mao Space, Shanghai, May 2018



SEA POEMS: Drawings of Manuel Valencia – Mao Space, Shanghai, 2014

Landscape of Mind – Valencia’s Painting

Curated by Huang Du / Translated by Jin Hua

The work of Manuel Valencia shows such comprehensiveness that it is hard to define it as a particular kind of painting. This is the result of the openness of expression in his art pieces, which leads to a broad interpretation that transcends the limitations of tradition vs. modernity and East vs. West. His paintings leave a deep impression upon the viewer due to the infiltration and mixture of different mediums that cannot be isolated or enclosed, creating a clearly unique style in the combination of paper, pencil, color and form. Of course, uniqueness and expression are interrelated. Expression is connected with concept, and concept is expressed by form. In other words, if a painter is not able to get an insight of those relations, his or her uniqueness comes to zero. For an artist, a strong personality means bringing out new ideas from the inside in terms of language, concept and form. Valencia has fully believed in his own instinct and judgment. He flexibly deals with the visual relationship between color and pencil, material and form, whether that means keeping a balance between different colors or breaking that balance to create a feeling of flaw; showing relief in the combination of graphics and materiality, or confrontation between mediums. He has studied and experimented all those relationships with delicacy and from his conceptual perspective, building a perfect infrastructure and open language, and resulting in multiple meanings and paths for interpretation.

Valencia has depicted landscape as his subject matter. However, his landscapes are out of ordinary people’s imagination. He has interpreted landscape into the following three levels of meaning: Landscape as a signifier of still time and space; landscape as a poetic metaphor; and landscape as a mixture of narratives. In Valencia’s painting, a landscape describes the extended process of change in a unit of time or space when mixing individual expression and culture. It is the outcome of his choice, a filtration and editing of images, materials and forms. Therefore, his landscapes give way to a myriad of layers of perspectives. Generally, a landscape is a motif of narrative depicting the relations with natural and social environments. The painter’s subjectivity plays a driving role in the use of a piece of landscape as a narrative unit. Thus, what is being chosen and what is being removed become the elements which create a metaphysical visual expression. In his regard, landscape is not an objective record, but a subjective expression. Valencia shows enough artistic sensitivity to turn an objective landscape into the contemplation and metaphor of a subjective landscape. These two levels are completely deprived from the temptation of objective narrative, leading to the viewer’s psyche. This is a form of contraction and expansion of the time and space hidden in the images, in which the changes in landscape illustrate the scenery of the human heart in a gradual process that goes from contemplation to experiencing and ends in meditation. As a result, his works bring the viewer into a space of new imagination. Some of the images may be thought of as heavy rainfalls, vast darkness, calm sea, poetic landscape, infinite universe, broken walls, abstract representations… This kind of open language has undoubtedly been reflected upon the core concept of his paintings.

For Valencia, it doesn’t matter whether he is describing a figurative landscape or an abstract image, his expression’s motive and process implies a binary relationship between memory and imagination, experience and sentiment, contemplation and meditation. He focuses on exploring and showcasing aspects hidden in the landscape. In other words, this is not a just relationship between form and content, materials and concept, but rather a new and contemporary expression of landscape linked to nature, society, tradition, language and experience. All of this can only be attained through the artist’s unique methodology and the right use of paper, rope, plasters, cardboard, pencil, acrylic, ink and wash in form, as well as through a smooth handling of proportion in composition, delicacy and heaviness in color, lightness and darkness in the use of ink, and freedom and rigidness in completeness. As we can see, his paintings reflect his aesthetic taste and pursuit of simplicity in texture, wrinkles, grains, abstraction and reality, movement and stillness. Sometimes he even attaches images, adds drawings or handwrites random characters on the already finished piece of work, revealing the beauty of hand-made painting, creating a sense of ebb and flow on the peaceful texture of the rice paper, and adding movement to the picture with a perfect sense of verse and rhythm. This landscape construction method make the viewer feel as if intoxicated in the realm of poetry.

We could say that Valencia’s work fully presents the characteristics of a “physical painting”. He masters the use of traditional Chinese Xuan rice paper as his media of expression, adding on top daily life objects in order to enhance its vivid and expressive language. Of course we cannot deny the “physical” aspects of his paintings, but the full extent of use of that “physicality” further indicates that the material media itself is both an entity of objectivity and subjectivity. In other words, it has the function of words, and the implication of the multilayered referential meaning. From such a perspective, Valencia spreads live materials on rice paper, thus changing the expression of unity in paper and brush, and dipping into a form of painting that uses those materials as if they were words, instantly activating the meaning of the painting and the connotations of the objects, and assuring the inseparable relationship between form and material. Thus, in order to understand the visual implications of his work, one must comprehend materials and implied meanings in the physical properties of painting. It is obvious that the artist has given spiritual connotations to the materials in his series of works, and presented a wide variety of shape and texture in a way similar to sculpture or collage. This confirms that material is no longer reduced to lines and color, but also a way to highlight the performance of independent media. It also means an interactive relationship between the material itself and the formal infrastructure of meanings within the painting (i. e., imagery, semantics and metaphor).

In addition to materials and subject matter, one of the most impressive aspects of Valencia’s work is that his small-scale paintings on rice paper (CARTAS) can be installed into a larger piece of work, linking originally separate drawings in a much bigger whole. Each piece composes its visual expression by space, material and color, highlighting a closed and self insurmountable world, despite the intuition to comprehend the inner realm of silence, quiet, Zen and meditation.

It is clear that Valencia has very well interpreted the dimension of contemporary art expression. His creativity started from simple aesthetics, adopting open methodologies and image narrative, highlighting materials to express the purity of spiritual nature and the subjective wishes of an artist, and offering infinite imagination to its viewer.

English / Chinese CATALOGUE

The Skin Of The Sea – Yuan Space, Beijing, 2014


Islados: Cruces liminales

Ensayo para Skin of the Sea: Obra reciente de Manuel Valencia, cuya exposición tendrá lugar en Yuan Space, Beijing CHINA, Marzo 2015

Skin of the Sea

A primera vista, Islados, una serie de marinas monocromáticas en técnica mixta del artista español Manuel Valencia, parece poner en escena la poesía de su santuario interno, concebido a partir del legado artístico del romanticismo, el expresionismo abstracto y el minimalismo. Sus “marinas”, de amplio horizonte compuestas en dos niveles, nos presentan un paisaje oceánico, sumergido en un sueño de ilusión, como un entorno distante que evoca el encuentro emotivo de lo completo y lo inalcanzable. Con reminiscencias de los horizontes espectrales que podemos ver en los espiritualmente inspirados trabajos de Mark Rothko, Cy Twombly y Gerard Richter, Islados envuelve nuestros ojos en un inmenso campo visual, evocando una experiencia sensorial del infinito e interiorizando lo sublime. En su statement artístico, Valencia describe Islados:

“Sueño, tiene comienzo y fin, pero carece de orillas. Soledad del artista, vasta y vacía como la del mar. Ser aislado. Soledad, pero independencia, supervivencia del individuo. Infinito, solo hasta donde alcanzamos a ver”.

El acto de ver, a caballo entre la oscuridad y la luz, es una respuesta de la emoción que históricamente ha cautivado a pensadores y artistas en todos los tiempos y culturas. Es en ese cruce momentáneo entre ambos espacios, cuando la subjetividad se transfiere desde una primera consciencia hacia la autoconciencia intensa, del cuerpo a la mente. A través de planos lumínicos, emerge un límite, la antesala de la conciencia interna. Plagado de significados enriquecidos e interpretaciones filosóficas, científicas, literarias y psicológicas, es inevitable que un límite así pueda rendirse a las interpretaciones artísticas más inspiradas.
Aún así Islados está dinamizado por una visión más compleja que la de ser simplemente el destilado autorretrato romántico del artista solitario. Cuando se evalúan en la paleta intercultural de la metodología y los medios en los que se mueve Valencia, algo nuevo, original e intrigantemente significativo aparece.
Nacido en Madrid, Valencia se crió en la costa del País Vasco. Apasionado por el arte, en su juventud visitó estudios de artistas españoles y también holandeses, conocidos por su sensibilidad hacia la luz y su inclinación hacia el azar y la espontaneidad en el proceso creativo. Los cuatro años que pasó Valencia en la Academia de Bellas Artes Stichting de Vrije en La Haya fueron el ambiente ideal para que adquiriese sólidos conocimientos en dibujo, composición y teoría contemporánea. Se entrenó como artista figurativo durante casi catorce años, aprendiendo del surrealismo y familiarizándose con el óleo y la madera, el acrílico, la acuarela y la técnica de acabados en témpera del renacimiento flamenco y holandés. Es también un experimentado viajero alrededor de todo el mundo debido a su antigua ocupación como hombre de negocios, y Valencia admite ser “poroso a las influencias externas”, abierto a explorar lo que él llama los “sedimentos de las experiencias vitales”. Un viaje a Kyoto hace quince años resultó ser una experiencia que le abrió los ojos y le inculcó esa sensibilidad hacia la estética china de las Dinastías Tang y Song. La revelación de la estética asiática como una manera alternativa de mirar y de crear que, según Valencia, “le cambiaron como hombre, como artista”.
Valencia llama Islados a su “paisaje de hilos… una lucha entre concepto y emoción contra un fondo dramático”. De cuadro a cuadro, las líneas gesticulan como tensiones psicosomáticas progresivas. Con hilos destrozados, lanas encontradas y tiras retorcidas de fibras de papel, crea un espectro de líneas ondulantes que sobresale de la tinta de las superficies, atrapando nuestra mirada en una cruda danza óptica. Aventureras, osadas y exuberantes, las robustas líneas de Valencia parecen resonar con el abandono de la escritura caligráfica. Exaltan la libertad del proceso de creación y rebosan energía como pinceladas en plena ejecución.
Prendidas en la suave textura del papel de arroz chino, sus intrincadas líneas reflejan una ejecución gestual que va en contra de las convenciones artísticas. Como personajes sobre un escenario, sus líneas palpitan, a veces como un murmullo susurrante, a veces como un torrente atronador, tomando la forma de pequeñas letras, estrofas poéticas, tormentas, vientos atmosféricos, explosiones y erupciones, atravesando y convergiendo en ondas de puntos, garabatos, nudos y turbulencias. Lo visible aquí no es una mera invitación a ver el infinito, más bien la mano deliberada del artista excavando, recortando y rascando, y su esfuerzo consciente por la deconstrucción y la reconstrucción. Entre carnalidad y abstracción, Valencia moldea líneas, formas y materiales que sobresalen tridimensionalmente, como extensiones corpóreas que dominan el espacio. En más que alguno de sus trabajos, una orilla emerge repetidamente en el lado izquierdo, encontrándose con el mar para interceptar el horizonte. Vivos, por su atrevida encarnación, estos bancos de tierra moldeados con papel maché, ejercitan contorsiones musculares. Son carnales, viscerales, elementos bárbaros que interfieren para interrumpir nuestra mirada hacia el infinito.
Las imaginativas formas de las orillas de Valencia, las montañas, las líneas, rezuman la fuerza visceral de poseer con autoridad el espacio en el que están colocadas. Valencia usa elementos literarios para imbuir su arte de significado. En una pieza notable, alude al nihilista tema de la muerte, el vacío y la desesperación, escribiendo a mano fragmentos del poema elegíaco de T.S. Eliot “The hollow men”. Lo transparente y la fragilidad, abiertas a encrucijadas y destrucciones, también juegan un importante papel en el trabajo de Valencia. Como si fuera una instalación inquietante, Valencia eleva el espectro entero de sus fibrosos hilos fuera del lienzo, suspendiéndolos como una débil cortina de redes rasgadas, haciendo la pieza accesible desde todos los puntos de vista, pero también vulnerable y erosionada en forma y materia.
En superficies como la del papel de arroz chino, íntimamente cargado de referencias culturales e históricas a aislamientos espaciotemporales, las “marinas” llenas de hilos pugnan una batalla sensorial para entrever un horizonte de apariencias sensuales, y cuestionando esencialmente nuestros hábitos de ver en los umbrales de la percepción. De cuadro a cuadro, el espectador es atraído a un proceso de identificación sin límites que busca continuamente conseguir coherencia, pero que nunca alcanza. Islados nos pide entrar en una aceptación abierta de reconocimientos combinados a lo largo de fronteras y límites. Es desde esta visión donde la identidad dual de Valencia como artista y como Embajador de España en China se convierte en una emocionante personificación de una auténtica y devastadora experiencia estética en la encrucijada de la persona y el mundo.


Yiling Mao
Fundadora y directora ejecutiva, Art Collectives, NY
A.B., A.M., East Asian Languages and Civilizations, Harvard University
M.Phil, Art History and Archaeology, Columbia University
Former Director of Sotheby’s; Special Advisor to Sotheby’s Institute of Art at Tsinghua University
Special Advisor to Beijing International Culture Center
China Advisory Board Member, Lincoln Center for Performing Arts

Exposición “Cartas y Pizarras”, Galería Astarté, 2011 – Madrid


Manuel Valencia. Letters and Slates 

C/ Monte Esquinza, 8.  Desde el 27 de octubre de 2011


Art is perfect when it resembles nature
And nature, in turn, when art is disguised silently

Pseudo-Longino, De sublimitate


Patience: losing time in small apparently insignificant things, taking time to stare calmly without any rush.  These are clues for facing the frantic pace in which we seem to live today, and are reveling tips to understand  the work  of Manuel Valencia (Madrid 1954),  where technique and concept  fuse and  establish a permanent dialogue between art and nature.

On this his first individual exhibition at the ASTARTÉ Gallery, Valencia exhibits his most recent works which bear the name, “Letters and Slates”,   two series on which he has been working  in parallel during past three years. The expressive strength of his works stems from the purity of essence that the painter finds brooding over nature through observing simple leafs, flowers and landscapes.



On the delicate Chinese papers, that Valencia has used as support (and which he selected one by one in Beijing) for his drawings, he reflects his western heritage of expressive gestures and the freedom of execution as well as the nude simplicity of the oriental art. However his art cannot be consider merely as pure expression, reflection of reality, because what is depicted goes far more than a pretext, because its ultimate goal is to seek answers through shapes and introspection.

Valencia´s frequent trips to China and Japan have had a very strong influence in way he portrays what he sees.  Although he frequently says that his work is “a European stroll through eastern art” and has never allowed his essence as an individual of western culture   to fade away in the collective sense of Asia. Very similarly  to what happened to Henri Michaux, in which all influence of  Chinese art and calligraphy was diluted and  embodied in his ink drawings,  which main theme was the desperate search for the artist self, his own search as an individual.

Similarly to Michaux, Manuel Valencia takes from the East only what interests him, like painting materials that he combines with western ones   and experiments through a contemporary language. He is attracted to those elements of nature that we consider insignificant, observing them closely, until he becomes dazzled by them. He combines poetry, calligraphy and painting,  following his  own rules, but giving priority to  the continuous flow of spontaneous ideas, tipical of  surrealism,  rather than to the  use  of a self contained   speech  or a set of signs. 

Undeniably of Eastern origin, the concept of analogy is present throughout his work.  The painter became interested in flowers and leafs when he realized that everything in nature is based on something else. Even things that pass without being noticed at men´s eyes, acquire significance in life. The tiny leaf, the stem or roots are equal in importance to the forest, seas and mountains. And so, each one of us, individuals apparently insignificant, are meaningful not only for humanity but for nature. Inside this universe of relations in which nothing is by itself, in which all is sustained by all, Manuel Valencia has escaped from the decorative and purely aesthetic aspect of nature to which is very frequently consigned by Western art and gives back to nature its essential role as life giving source.

In his latest work, “Slates”, he follows the same plastic trend of leafs and flowers of previous exhibitions with detailed craft in large format `paintings and with close-ups that give the spectator a new perspective from which to deal with nature in a way never before considered. We could say that nature has been raised to the superior category of a portrait, by using black flat backgrounds in which the figures seem to be floating and avoiding any sense of spatial rationality. It is also remarkable the usage of whites that spark on the vegetable motives which display an aestheticism (otherwise constant in all his work) that seems to stop time. The painter conceived these series and refers to them as well, as “still life”, instead of using the Spanish term of “Death Nature” (“Naturaleza Muerta”). And, indeed, in these images life seems to be frozen hadn´t it been for the presence of some writing sketches, which significance runs far beyond words and their meaning. As Bachelard would have said, “Some words are in full bloom, in their prime life”.

On its part “Letters” is an inner journey in which each image connects with   the other through a common bond: the small cape “Punta de Coves Blanques” in Mallorca.   Landscapes are always the result of a struggle between the “lines of force” that the painter has inherent in his language and those of nature itself. In this case, the outcome of the confrontation varies. Sometimes matter wins, others writing or gesture does. Despite all this, the exhibition structure is coherent in a manner that is difficult to explain perhaps because of the essential truth which is the flow of things.

Neither the Cape nor the sea represent here more than a link, a steady bond through which to watch the always changing reality, always in transit. Perfect metaphor for the act of seeing because what we are aware of is never the same. How we see things changes every second, (like us, we mute into something else) and with it everything that surrounds us. And again, once again, writing appears in each image, fluid, continuous, liquid as the sea water or clouds.

The final paradox is the excellent result achieved by the painter to capture the flow and movement through repetition, apparently the opposite principle. Valencia has decided to base this work on the repetition of the motifs; its appearance and language are constantly changing but the Mallorca´s sea landscape appears again and again, structuring all of his work.

When Kierkegaard states that all life is a repetition, he did not mean that we should build our life based on looking backward, living on memories. On the contrary, it is through repetition understood as a form of “forward memory” where we will find that the existence that is, what has been, now comes into existence again, just like in the work of Manuel Valencia. He probably would have never guessed that repetition would be the definitive journey through which he would discover himself.

Jennifer Calles




Cartas y Pizarras – Galería Astarté, 2011 – Madrid



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Manuel Valencia – Catálogo Cartas y pizarras, Galería Astarté, 2011


El arte es perfecto cuando parece ser naturaleza, y la naturaleza, a su vez, da en el blanco cuando encierra el arte imperceptiblemente.

Pseudo-Longino, De sublimitate


Paciencia: saber dedicar tiempo a las cosas; tomarse un momento para mirar, sin apresurarse, con calma. Esa es, frente al ritmo frenético en el que nos vemos hoy imbuidos, la clave de una producción reveladora como la que lleva a cabo Manuel Valencia (Madrid 1954), en la que artesanía y concepto se aúnan para llevarnos ante un permanente diálogo entre arte y naturaleza.

En su novena exposición individual, primera en la Galería ASTARTÉ, Valencia presenta sus trabajos más recientes, “Cartas y Pizarras”, dos series a las que ha dedicado los últimos tres años y cuya fuerza expresiva arranca de la estética pureza de lo esencial que el pintor encuentra en hojas, flores o paisajes.

En los delicados papeles chinos que le sirven como soporte y que él mismo busca uno a uno y trae del gigante asiático, Valencia propone una ejecución plástica que refleja tanto la herencia occidental de la gestualidad expresiva y matérica como la sutileza y el despojamiento propios de la influencia oriental.

Así, nos encontramos ante una obra que no puede enmarcarse dentro de la pura expresividad, pero que tampoco considera la representación más allá de un simple pretexto, pues su fin último es la búsqueda de respuestas a través del paciente camino que va desde la forma hacia la introversión.

Inevitablemente, los frecuentes viajes que el pintor ha realizado a China y Japón han influido de forma decisiva en su forma de ver, de mirar. Sin embargo, él mismo reconoce que su trabajo no deja de ser un “paso occidental por oriente” en el que la subjetividad e independencia no han permitido nunca que su gesto de sujeto desaparezca. Algo parecido ocurría con la figura de Henri Michaux, en el que toda la influencia del arte y caligrafía chinos se veía rápidamente diluida al plasmarse en unos dibujos cuyo principal tema era la desesperada búsqueda del yo del artista, su propio descubrimiento.

Del mismo modo que Michaux, Manuel Valencia también coge de Oriente sólo lo que le interesa: recuperando sus materiales, pero mezclándolos con otros y experimentando a través de un lenguaje contemporáneo; deteniéndose ante aquellos elementos de la naturaleza que nos resultan insignificantes, pero deshaciéndolos en muchas ocasiones y buscando en ellos siempre su propio deslumbramiento; uniendo poesía, caligrafía y pintura dentro de sus principios artísticos, pero dando prioridad al fluir de pensamientos automáticos propio del surrealismo más que a cualquier elaboración de un discurso congruente o una lógica de signos.



Sin duda, la influencia más irrefutablemente oriental de su trabajo reside en el concepto de analogía que lo recorre de principio a fin. Nuestro pintor comenzó a detener su atención en flores y hojas porque descubrió que todo se apoya en algo. Incluso aquellas cosas que pasan más desapercibidas ante nuestra mirada, adquieren una trascendencia esencial dentro del orden de la vida. La hoja, el tallo o la raíz son equiparables en importancia a bosques, mares o montañas. Y así, cada uno de nosotros como individuo, signos prácticamente inapreciables de la humanidad, dotamos a ésta de sentido. Dentro de este universo de relaciones en el que nada es por sí sólo, en el que todo se sustenta en todo, Manuel Valencia ha querido desligar a la naturaleza de esa condición decorativa y estética a la que a menudo se ve relegada por las premisas del arte occidental y devolverle su papel fundamental como fuente de vida.

Con el último de sus trabajos, “Pizarras”, continúa la línea de las hojas y flores pintadas con minuciosa habilidad, en grandes formatos y con primerísimos planos frontales que proporcionan al espectador un punto de vista nuevo desde el que abordar una parte de la naturaleza que nunca ha sido propiamente considerada y que aquí se eleva, podríamos decir, a la categoría del retrato. Sin embargo, en este caso nos encontramos con la peculiaridad de unos fondos planos y negros en los que las figuras parecen flotar y que anulan cualquier sensación espacial racional. Además, el blanco con el que fulgura este reducido número de motivos vegetales hace gala de un cromatismo ascético,constante por otra parte en toda su producción, capaz de parar el tiempo. El pintor concibe esta serie como un bodegón al que prefiere referirse con la expresión “still life” frente al concepto tradicional de “naturaleza muerta”. Y es que, efectivamente, en estas imágenes parecería que la vida se hubiese detenido de no ser por la presencia de unos esbozos de escritura cuyo trazo corre más allá de las palabras y su significado. Como diría Bachelard, existen palabras que están en plena floración, en plena vida.

“Cartas” por su parte constituye un viaje interior en el que cada imagen depende de las demás, teniendo todo el conjunto un nexo común: la Punta de Coves Blanques en Mallorca. En la pintura, el género del paisaje es siempre resultado de una lucha entre las líneas de fuerza que el pintor lleva intrínsecas en su lenguaje y las de la propia naturaleza. En este caso, el resultado final de dicho enfrentamiento es variable. Unas veces gana la materia, otras la escritura o el gesto. Y a pesar de ello, el montaje proporciona una coherencia al conjunto difícilmente explicable, fruto quizás de la verdad fundamental que constituye el fluir de las cosas.

Ni la Punta ni el mar representan aquí algo más que un enlace, un vínculo insistente a través del cual contemplar la realidad siempre cambiante, siempre en tránsito. Perfecta metáfora del acto de ver, que tampoco es nunca el mismo. La mirada se transforma a cada segundo, (como nosotros mismos, deviene) y con ella todo aquello que nos rodea. Y de nuevo, una vez más, la escritura aparece en cada imagen fluida, continua, líquida, como el agua.

..La paradoja final resulta del excelente resultado que consigue nuestro autor al plasmar ese fluir y esa circulación continúa a través del recurso, en principio opuesto, de la repetición. Valencia ha decidido basar su obra en la repetición de motivos, pero aunque el paisaje mallorquín aparece una y otra vez, su aspecto y su lenguaje están en perpetuo cambio.

Cuando Kierkegaard dice que toda la vida es una repetición, no se refiere a que debamos construir la nuestra en base al movimiento de retroceso que supone el recuerdo. Muy al contrario, es a través de la repetición entendida como forma de memoria hacia delante donde encontraremos que la existencia, esto es, lo que ya ha existido, empieza a existir ahora de nuevo. Fijémonos en la obra de Manuel Valencia… quién le iba a decir a este pintor que la repetición sería el viaje definitivo a través del cual se descubriría.

Jennifer Calles




CARTAS es una correspondencia sin destinatario ante de un mar bravo, solitario y obsesivo.

Surgen con dibujos y palabras –que para el caso es lo mismo-, como un libro sin comienzo de nubes, mareas, horizontes, lunas y olas.

Rompí a escribirlas compulsivamente tras ocho años delante de ese trozo de mar, observando esa realidad acuosa, cambiante. El sismógrafo del dibujo recogía también cambios, ansiedades o lo que ese día me reventaba en la cabeza, confirmando el perpetuo movimiento entre observador y observado. CARTAS se fue convirtiendo en un viaje estático hacia dentro.

El lenguaje varía, se superpone, teniendo como nexo, casi tautológico, un motivo central, la Punta –pues no llega a cabo- de Coves Blanques con la que cohabito año tras año y que constituye mi horizonte visual persistente. Cartas se traban poco a poco con: tintas, grafito, cuerdas, algodón, vendas, acrílicos, arena sobre papel hecho a mano.

La obra tiene sentido en su conjunto, en la pluralidad, nunca en la unidad. Es como la naturaleza: todo se apoya en algo.

Al final, comprendí que no pintaba ni la Punta ni el mar, sino el acto de mirar, de ver despacio, para descubrir que detrás de cada imagen hay siempre otra imagen y después otra, buscando siempre, pues la realidad no es la que vemos.


Exposición “Poemas Naturales”. Instituto Cervantes, Belgrado, 2010

El negro contiene todos los colores

El espectador ante un cuadro o una escultura tiende a identificarse con el tema, a interpretar las imágenes como si fueran independientes. Ante el dibujo, en cambio, tiende a identificarse con su autor, interpretando sus imágenes como si las viera a través del ojo del artista.

John Berger “The Look of Things”,1973

Ahora ya no pinto, sólo hago dibujos. Hace tiempo, sin saber porqué, opté por dibujar. Me siento cómodo en ese medio de expresión y los dibujos se han ido convirtiendo en el “cuaderno de viaje” de los últimos diez años. Son la herramienta con la que depuro ideas recibidas y destilo opciones vitales; me ayuda a eliminar lo accesorio y seguir adelante. Dibujar es mi psicoanálisis.

En la edad de la tecnología, presento aquí hojas, simples y modestas, y, sin embargo, infinitamente más perfectas que nuestros artilugios electrónicos. Cuando comprendes esto empiezas a entender. Descubrí la naturaleza en Japón. Allí te enseñan que el hombre se injerta en la naturaleza, de la que es parte, y no se contrapone a ella, como hace la cultura judeo-cristiana. Sumergido en botánica, comencé a entender algo de la vida frente a los galimatías filosóficos.  Encontré así algunas respuestas, humildes, pero que se sostienen. La naturaleza explica mejor el mundo de las tribus humanas que los libros de sociología o historia. No hay más que echar un vistazo a los documentales sobre la naturaleza para comprender la política nacional e internacional. Estas meditaciones, recogidas en dibujos, me han permitido seguir caminando tras un rastro. Todo está ahí.

En justa correlación, la técnica de dibujo, en negros y blancos, busca también depuración, esencia pero sin pobreza, pues el negro contiene todos los colores. Algún día volveré al color, hoy sería prolijo.

Una cierta poesía de cosas y palabras desencadena el proceso de creación, que se cuece a fuego lento en la cabeza. Luego se filtra en esos papeles que busco en el mercado de Liulichang, junto a la Ciudad Prohibida, en Pekín (son papeles de arroz que traen de la provincia de Anhui siguiendo recetas propias desde la dinastía Tang). El dibujo se convierte en un microcosmos de múltiples asociaciones e iconografías, diferentes formatos y técnicas. No excluyo el azar, esos accidentes, que la sincronía del Tao nos dice son motores del cielo y la tierra.

Hoy la obra de arte no se deslinda de la vida de su autor. Este vínculo se refuerza en el dibujo, donde el espectador ve primero al ejecutor antes que el motivo representado.  El espectador se convierte en voyeur involuntario de la peripecia vital del artista, sin que quepa la coartada del pudor. Por eso el dibujo es tan contemporáneo.

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Exposición “Botanical Poems”, Galería Utopia Parkway, Madrid, 2009

Galería Utopia Parkway, Madrid, 2009



Utopia Parkway Gallery presents Botanicalpoems from Manuel Valencia on view from the 16th January to 27th February 2009 in Madrid. Botanicalpoems, his seventh solo exhibition, recalls the name from a series of “drawings” produced during the last two years, with frequent trips to Japan and China. This series is the outcome of an exploration of the support as well of the media used in its formulation. At the same time, it is the result of a formal research in the domain of art and nature. For a long time, the artist has been investigating the continuous changes of all organic beings in their living cycle, from birth to death. Less interested in what is formally visible, the artist uses “representation” only as a way of showing what he guesses is beyond the physical shapes of botany.

Manuel Valencia grants great importance to the support. He carefully chooses his papers in the old market of Liulichang, next to the Forbidden City of Beijing. He gets there the subtle paper textures, foliages, thickness, weights, types of cellulose suitable for his project. It is always exquisitely handmade paper produced by the traditional techniques that China has developed for centuries. The use of this “natural” support is coherent with his botanic exploration project.

The artist media are different types of inks, purchased in Japan and China. He mixes them, searching the right textures and viscosities for his personal works. He also uses graphite and some acrylics and temperas. His use of media does not follow the traditional recipes but explores very personal formulae, that clearly places him in the contemporary.

Manuel Valencia emphasizes the significance of calligraphic elements, scribbles and writing that he mingles with his “drawings”. His calligraphy, sometimes unreadable, stresses then intensity of the creation process. Bear in mind that in Japan, painting, calligraphy and poetry have the same identical semantic function, linked with the very meaning of creation process.

The artist has selected 23 “drawings” from the almost 100 that composes the Botanicalpoems series. Mostly they are leaves and flowers, in black or white, face and back, in large formats but paying a great attention to detail. They are botanic blow up, that approach the artist thoughts to the watcher. Valencia´s leaves have lost their condition of a meaningless decoration that we often give them in many everyday objects. He has bestowed them his main role in nature and the support of earth life. The artist gives also the quality to leaves of been his own personal mirror, as Tao taught it centuries ago.

Among his recent solo exhibitions, we highlight “Blind Flowers” in Anni Ma Gallery, 798 District in Beijing (2008), “Visual Haikus” in The Ludwig Foundation, in Havana (Cuba, 2007), “Gaijin” (“Foreigner”) in Barón de Quadras Palace, headquarters of the Casa Asia Foundation (Barcelona, 2004). All of them are “drawings” on paper, where the investigation on nature remains the main idea.

Valencia plastic research can not be kept apart from his books: “Accelerated Travels Diary” (Cuadernos de Utopia, Madrid, 2003); “Connecting Inks”, poems by José Luis Gallero and drawings by Valencia (Colección Coda, Madrid, 2006), “Accelerated Travels Diary -10 years” Texts and drawings by Manuel Valencia (Editorial Isla Grande, Madrid 2007). Like a journal de voyage, these books gather daily thoughts and observations that the artist collects and are an indispensable match for his drawings. He always keeps notebooks with him where he sketches future drawings and paintings that he will develop to large format papers, as the ones of this Botanicalpoems series.


Manuel Valencia presenta en la Galería Utopía Parkway de Madrid, la serie Botanicalpoems que ha producido en el transcurso de los dos últimos años, alternando este trabajo con viajes a China y Japón. La serie, resultado de una exploración del soporte y de los materiales empleados para su formulación, también es consecuencia de su investigación formal en el ámbito de la relación entre arte y naturaleza. El artista estudia desde hace tiempo las alteraciones continuas a las que está sujeta la naturaleza en el ciclo de la vida a la muerte que experimentan todos los seres orgánicos. En este sentido, le interesa la “representación” no tanto de lo que se hace visible, como de lo que intuye y percibe más allá de la forma.

Manuel Valencia concede gran importancia al soporte. Busca personalmente sus papeles en el viejo mercado de Liulichang, próximo a la Ciudad Prohibida en Pekín. Allí consigue las texturas, grosores, densidades, peso, ramajes, tipo de celulosa que considera adecuados para trabajar en su proyecto. Son papeles hechos a mano con los métodos tradicionales que China ha ido perfeccionando durante milenios. La utilización de este soporte “natural” es coherente con su proyecto de exploración botánica.

Las tintas, adquiridas en Japón y China, mezcladas para conseguir las texturas y viscosidades idóneas para los efectos que persigue, las combina con grafitos y algún tipo de temples y acrílicos. Esta técnica mixta no sigue pautas tradicionales, sino que explora una formulación muy personal, enmarcada en la contemporaneidad, a partir de cuya experiencia desarrolla su investigación.

Especial relevancia tiene la presencia de elementos caligráficos y escrituras que se funden con el dibujo como en un todo. Caligrafías, ilegibles a veces, que subrayan la intensidad del momento de la creación y su circunstancia. En Japón, pintura, caligrafía y poesía tienen una función semántica idéntica, en coherencia con lo que significa el acto creativo.

Botanicalpoems consta de 23 dibujos, exclusivamente hojas y flores en blanco o negro, haz y envés, en gran formato y realización minuciosa. Una especie de “blow up” botánico, que con su inmediatez incitan al espectador a la reflexión. Valencia despoja así a las hojas y flores de su condición de ornamento, de adorno intranscendente que estamos acostumbrados a ver en multitud de objetos de todos los días, para otorgarles un papel protagonista y reintegrarlas a la naturaleza, que sostiene la vida en este planeta. El artista les confiere además la calidad de espejo de su propio devenir, un paradigma ya enunciado en el Tao hace siglos.

Entre sus exposiciones individuales mas recientes destacan “Flores Ciegas”, en la galería Anni Ma en el distrito 798 de Pekín (2008), “Haikus Visuales” en la Fundación Ludwig de La Habana (Cuba, 2007), “Gaijin” (Extranjero en castellano) en el Palacio Barón de Quadras, sede de Casa Asia en Barcelona (2004). En todas la obra ha consistido en dibujos sobre papel y en los que naturaleza desempeña un papel central.

Por ultimo, añadir que en Manuel Valencia investigación plástica y escritura van de la mano, prueba de ello son las publicaciones: “Diario de Viajes Acelerados” (Cuadernos de Utopía, Madrid, 2003); “Tintas Comunicantes”, poemas de José Luis Gallero y dibujos de Valencia (Colección Coda, Madrid, 2006); y “Diario de Viajes Acelerados -10 años” dibujos y textos de este artista (Editorial Isla Grande, Madrid 2007). Estos libros, a modo de diario de viaje, hacen acopio de reflexiones cotidianas, registros de notas, apuntes y observaciones, que el artista escribe por necesidad y que constituyen un complemento indispensable de sus dibujos.

En otros tiempos fue útil comparar el arte con un espejo.
Ya no lo es; ha cambiado nuestro sentido de la naturaleza.
Para nosotros, reflejar la naturaleza es disminuirla.

John Berger, The Look of Things

Artesanos y artistas han convertido las hojas en decoración, en adorno intranscendente; azulejos, sedas, columnas, códices restallan con este ornamento de relleno. Sin embargo, están tan vivas como nosotros y, por eso, al pintarlas desde muy cerca, quiero que se miren con otros ojos. Su modestia me ayuda a comprenderme en horas donde lo heredado ya no sirve. 

Estambul, junio de 2008


Cuando eres niño te enseñan la línea recta; en la madurez aprehendes que la línea más corta no es la recta sino la de menor resistencia y entonces empiezas a comprender. Somos evolución, resultado de un proceso irregular, lleno de dudas, errores, retrocesos y avances, de caos y equilibrio. La naturaleza es la respuesta, aunque no sepamos formular bien la pregunta. Ahora toca reinventarnos a nosotros mismos en este planeta que nos con(sos)tiene; para ello, tenemos que escuchar otra vez el pensamiento de las hojas y cerrar los libros que contienen dogmas.

Tánger, abril de 2008


Pared a pared del corazón se acumulan las hojas.

Paul Celan


Los músicos de jazz no tienen calles en su memoria. Tocan para iniciados, en locales pequeños, oscuros, llenos de humo, y todo ello me gusta. Tras un trabajo con el que pagan facturas, practican dando salida a su pasión; la vida no les basta. Desearía que la pintura fuera igual, que huyera del endiablado mecanismo del “cuánto vale”. En la música de John Coltrane, Billie Holliday o Charlie Parker hay, además de su melodía, una deriva sin partitura, improvisadamente controlada, con fluidas descargas de adrenalina pulsando acordes aquí y allá. Al pintar, experimentas algo parecido y, a veces, también un “subidón”, una especie de iluminación zen, como un solo de Miles Davies.

Tampa, junio de 2007


Ahora las flores y las hojas me encargan hablar por ellas. Han nacido en mí y yo de ellas.

Shitao, poeta y pintor chino. Dinastía Qing



Para crecer por dentro, he estudiado la relación entre naturaleza y hombre, en términos de todo y parte. Parece obvio, pues somos producto de ella, pero viniendo de una cultura –la judeo-cristiana– que parte de la supremacía del hombre, ello ya no es tan evidente. Me he concentrado en plantas (flores, hojas, raíces…); desciendo del podium artificial en el que me había situado mi cultura y las contemplo como a mis iguales. Observar en calma la vida vegetal, simple sólo en apariencia, invita a la meditación. Así ha ocurrido en la cultura de Asia oriental durante siglos. En la mía, la occidental, que aspira a dominar la naturaleza, es impensable. La botánica se ha pintado de muchas maneras, demasiado convencionales y desde fuera. Yo quiero pintarla desde dentro, intercambiando su misterio con el mío, como en un espejo.

Beijing, abril de 2008


Como la generación de las hojas, así la de los hombres.

Iliada VI, 146

En las hojas veo el reflejo de los hombres, todos diferentes, de infinitas variedades, y sin embargo, iguales; agrupadas y protegidas en árboles y plantas (tribus); simples en su complejidad; buscando desesperadamente el cielo, como nosotros. Sus capilares son mis venas y arterias. Para retratarlas utilizo tinta negra de Oriente Extremo y, no podía ser de otra manera, pinto sobre celulosa hecha papel, a mano, en China.

Saanen, agosto de 2008

En Japón un té no es sólo un té y una flor no es sólo una flor. Todo tiene un significado más allá. Una pintura tampoco es sólo una imagen, sino también un poema y una expresión caligráfica. En sociedad tan refinada, los japoneses y japonesas de Kyoto describen sus sentimientos, afanes y preocupaciones con pudorosas y elegantes perífrasis hechas de flores, gotas de rocío, hojas y lunas; las estaciones del calendario, observadas con atención, matizan delicadamente cada metáfora. Sin embargo, temo que el tsunami occidental está arrasando con todo ello.

Kyoto, marzo de 1998


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A modo de epílogo

José Luis Gallero, Titulcia. Noviembre de 2008

¿De qué madera, de qué árbol fueron tallados el cielo y la tierra?

Rigveda, X, 81

Con sus pinceles chinos, el pintor se ha introducido en la botánica –en el haz y el envés de la botánica–. Desde su observatorio a ras de tierra, contempla flores, hojas y raíces como a sus iguales. Medita, investiga, juega junto a ellas, participa en la locura de su metamorfosis, la estudia, se estudia, extrae de las capas más profundas del subsuelo la semilla luminosa de la simplicidad.

Hay un mismo ciclo para las plantas de la tierra y para la raza de los hombres. 

Eurípides. Fragmento 415

En la lenta tentativa de transmitir su óptica a las flores, su fonética a las hojas, el pintor enceguece y queda mudo. Sumido en la duda, invoca a los maestros: “Vosotros que conocéis el punto crucial de la dificultad, mostradme la clave cristalina del enigma, su callada cadencia”. Y Cèzanne, Coltrane, responden: “Todos nos llamamos igual. Todos somos el mismo. Todas las estaciones se asemejan. La vida es eso que cambia sin dejar de ser nunca el mismo viaje hacia la muerte”.

Cuando la vida estaba a punto de desaparecer, construí una choza, una hojita capaz de recoger las últimas gotas de rocío. Yo era un viajero que levantaba un tosco refugio para una sola noche.

Kamo No Choomei, 1155-1216

Cada solución alumbra siempre un nuevo problema; cada logro revela sin excepción una vieja carencia. Quien ama la vida no espera nada más. Antes que en crear, la tarea del pintor consiste en contemplar. Nada tiene que pintar, salvo algo que ocurre en el interior de la propia pintura, algo cuyo sentido esquiva las imágenes. Más que en decir, la tarea del poeta consiste en escuchar.

Exposición “Blind Flowers”, Galería Anniart, Beijing. China, 2008

an and flower share the same madness

Shi Tao, poet and Chinese painter of the XVII century.

I have studied the relations between nature and human nature to let me grow inside. Apparently, it seems an obvious thing: we are part of nature. But this link is rather unclear coming from my culture (judeo-Christian) where man comes first and he is placed detached and over nature.

I have stared to the plants (flowers, leaves, roots…) like my equals. I stepped down humbly from the artificial podium where my culture has placed me, far from reality. A calm gaze to vegetal life –simple only in its appereance– leads me to meditation on the human condition. Oriental art and its philosophy have done that for centuries. Western not.

As part of this meditation, I present this eleven paintings on paper. I have called this exhibition BLIND FLOWERS, because even eyeless, they can listen attentively not only to their own throbbing but to the life beat of what surrounds them and even far off. They are not isolated; I guess they feel it differently.

Botany has been painted in many conventional ways but always from outside. I want yo paint it from inside, grasping its mystery as if was my own mirror.

Manuel Valencia. Beijing, April 2008

我将研究精力集中放在植物上(花,叶,根等)。我将它们视作我的同类. 这样一来,我谦虚地从我所站立的那远离实际的虚伪的文化台子上走下来,与自然和谐相处。通过静观植物的生活(它们只是在表面上显得简单)而开始深思。几个世纪以来,东方文化一直延续着这样的做法,但从我的渴望统治自然的西方文化来看,却是不可思议。
 Manuel Valencia
(o sólo巴伦西亚)

我将研究精力集中放在植物上(花,叶,根等)。我将它们视作我的同类. 这样一来,我谦虚地从我所站立的那远离实际的虚伪的文化台子上走下来,与自然和谐相处。通过静观植物的生活(它们只是在表面上显得简单)而开始深思。几个世纪以来,东方文化一直延续着这样的做法,但从我的渴望统治自然的西方文化来看,却是不可思议。 现通过11幅作品将我深思的一部分内容展示出来,我将这些植物称做“盲花”。它们虽然不具视觉,却能感受到来自自身生命的,周围的以及更远的地方的强烈活动。它们不是孤立的,而是以其他方式来感受。          对植物的画法多种多样,但大多太传统,只是从外部画出植物的表面,而我则更希望通过它们的内在来画,掌握其中的奥秘,把它们当做我的一面镜子。
Manuel Valencia (曼努埃尔.巴伦西亚)
(o sólo巴伦西亚)

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